Sortie : août 2012

Label : Don't Cry Recordings

Genre : Jazz, Soul, R&B

Note : 8/10

Emmenée par le batteur virtuose Jamire Williams, la formation Erimaj connaît une certaine émulation depuis que le NY Times et d'autres organes de presse (généralistes comme spécialistes) ont salué avec fracas la richesse des compositions. Déjà sorti et acclamé l'année dernière, le single Conflict Of A Man a même été ajouté à la compilation inspirée Digging the Blogosphere. Un premier format court avait vu le jour en 2010 dans un questionnant silence (Memo To All). Confidentialité dont la coulissante formation new yorkaise ne pourra pas cette fois-ci profiter. Même si nous ne sommes pas coutumiers du jazz, aussi hybride soit-il, on ne va pas se priver de donner notre avis. Surtout à l'heure où Chroniques Electroniques connaît ses derniers soubresauts, avant que ne vous soit proposé un peu plus loin, un contenu toujours aussi fouisseur même si plus généraliste (ici). Parlons donc de cet excellent album avant que tous les autres n'en fassent leurs choux gras.

L'album fera sûrement hurler les puristes du jazz, et c'est tant mieux. Avant tout parce qu'il ne saurait se satisfaire de la certes très noble étiquette. Le son d'Erimaj se nourrit du meilleure de la musique noire américaine, plus pour rendre un hommage vibrant à la négritude que pour sonner réellement moderne. Et donc ne pas forcément réjouir ceux qui squattent devant MTV et Trace TV. Moderne ? Elle l'est, sans la moindre hésitation. La production est juste totalement implacable. Mais la spontanéité et la ferveur du jeu renvoie aux heures les plus roots des jams sessions qui sentaient bon la sueur, le sang et les larmes de studios enfumés et mal éclairés. Même si la tessiture très très haute et criarde de Chris Turner fait parfois évoluer l'ensemble dans des ambiances un peu plus électroniques, heureusement plus sexy et moites que complètement sirupeuses, la formation a puisé son essence dans la folie d'ovnis musicaux aussi adulés que crédibles comme Demon Fuzz ou Screamin' Jay Hawkins. Les amateurs de comparaisons plus scolaires, plus jazz et donc plus significatives, ne pourront qu'entrevoir les profondes influences de maîtres tels que Art Blackey et Herbie Hancock. Même si la corrélation vaut surtout pour les échappées plus modernes du dernier cité.

Dire que Jamire Williams a du bras et du groove est un doux euphémisme. Même si le génial batteur intervient ici en leader jamais martial, la place qu'il laisse aux géniales divagations des autres intervenants est assez exceptionnelle. Surtout quand on sait que le jazz n'est pas le premier terreau de l'humilité. Le gars a surtout compris que ses complices étaient loin d'être des noobs, même pour ce qui est des modulations un peu expérimentales et électroniques posées surtout sur les basses et les claviers. Le plus impressionnant réside dans la couleur et les contrastes apportés par les différents instruments. La parcimonie des cuivres de John Ellis d'abord, le jeu sur-vitaminé et peu orthodoxe du génial guitariste Matthew Stevens, mais surtout l'oscillation permanente de Jason Moran entre l'électricité du Fender et les textures plus classiques du piano. Voilà qui sans être probablement la volonté première, résonne comme un hommage moderne et libre à l'héritage des big bands d'antan et surtout à certains aspects (pas tous donc) de la révolution hard bop.

Pour adhérer à ce personnel et peut-être excessif constat, il ne faudra pas tomber en premier lieu sur les titres chantés, ou ceux dont Radio Nova n'a visiblement retenu que les aspects les plus "chill". Il faudra plonger oreilles grandes ouvertes dans les fresques et grandes réussites que sont les excellents et sinueux Unrest et Black Super Hero Theme Song, le rondement psychédélique Plants, le sens inné du groove lover d'un Conflict Of Man, qui n'a pas pris une ride et n'aurait rien à envier aux premiers travaux d'Amp Fiddler. Et ces foutues trois dernières minutes de Choosing Sides, où le saxophone et le piano se tirent la bourre comme jamais pour échapper aux contre-temps de la batterie et à la nappe cuivrée. Exceptionnel.

Conflict Of Man est une bien jolie friandise pour les oreilles, déployant un imposant arsenal technique et technologique. Il faudra malgré tout veiller à ne pas se laisser happer par ses parties les plus onctueuses, tendant ouvertement vers un R&B pas toujours du meilleur goût. Il y a largement de quoi faire ailleurs. Un disque recommandé, qui ne devrait pas tarder à faire grand bruit tant il est rassembleur.

par Ed Loxapac

Sortie : août 2012

Label : Tympanik Audio

Genre : Electronica, Glitch, Symphonie synthétique

Note : 8/10

L'ukrainien Andriy Symonovych, aka r.roo est salué depuis l'année dernière par tout un pan de la musique électronique, qui navigue entre  free releases de netlabels tels que Abstrakt Reflections et Someone Records. Et des maisons références, comme Tympanik et le jeune Raumklang (label de Dirk Geiger). Tout le monde s'accorde sur le fait qu'il est dans le style, l'un des plus talentueux et prometteur compositeur de sa génération. Avant tout parce qu'il dépasse allègrement les limites des genres et s'éloigne donc des gratuites complexifications geekées d'une certaine frange consanguine IDM, qui peine plus que jamais en 2012 à se renouveler. Après trois albums de grande qualité et pléthore d'apparitions sur des compilations ambitieuses, le label chicagoan Tympanik de Paul Nielsen lui ouvre enfin ses portes.

Abordons si vous le voulez bien en (long) préambule le cas de Tympanik Audio, label qui fait parler beaucoup de gens aujourd'hui, tant en France qu'à l'étranger. C'est pas trop dans nos habitudes d'aboyer au milieu de la meute, mais ce n'est pas uniquement pour cette raison que vous ne trouvez cette année aucune chronique estampillée Tympanik dans nos lignes. On ne rappellera donc pas qui avait eu la bonne idée de mettre en avant dès 2009, des chefs d'oeuvres du genre comme Epiphora de SE, Fallen Clouds de Tapage ou encore le premier album (Oppidan) d'un certain Access To Arasaka. Tout ça pour dire que quand on a tant aimé et tant mis en avant un label, on peut se permettre d'être un minimum critique et de prendre un tout petit peu de recul sur quatre années d'aventures électroniques. Parce que taper sur un label indépendant dirigé par un passionné relève de la pure infamie, je me contenterais de dire que les releases de cette année (et de la fin de la précédente) m'en ont secoué une sans faire bouger l'autre. Loin de moi l'idée de blâmer qui que ce soit, plus particulièrement à l'heure où se posent les questions d'identité artistique et d'éventuel renouveau. Le souci de ne pas heurter la fan base est certes pragmatique sur le plan économique, mais est plus problématique quand elle fait passer le label à côté de réussites absolues tel que le très expérimental et pharaonique Psychexcess de Frank Riggio.

Mais bien loin de ces considérations très personnelles, une nouvelle bien réelle et définitivement triste est tombée avant la sortie des dernières releases. Tympanik renonce, pour un temps ou pour toujours (on en sait rien), au format physique. Alors chers lecteurs, ne vous laissez pas compromettre par ceux qui voudraient nous faire croire que ça ne change rien sur le fond, et que par extension le digital représente l'avenir. Les vrais observateurs savent ce que cela veut dire. Jetons alors l'opprobre sur les milliers de fans que compte Tympanik en ses rangs, qui adulent le label sans lui avoir jamais donné un centime. On abordera même pas le cas de ceux qui organisent le leakage des albums qu'ils adorent, dans leur idée que ce qui circule sur Internet n'a pas de propriétaire ni de créateur. Elle est belle la révolution virtuelle, sans la moindre propriété intellectuelle. Toujours est-il qu'il est tout bonnement injuste qu'un label tel que Tympanik peine à vendre les 500 exemplaires qu'il presse. Lecteurs responsables, fans de musiques et fervents défenseurs de l'objet phonographique, donnez du pognon aux artistes et aux labels que vous aimez si vous voulez qu'ils survivent. Merci à François Bayrou pour l'inspiration.

L'ukrainien livre ici son album probablement le plus abouti et le plus riche. Avant tout parce que les orchestrations et la production au sens large, n'ont jamais été aussi poussées. Je n'ai pas de doutes sur les talents de pianiste de r.roo, je regrette simplement que tous ses ornements instrumentaux et classiques se voient parés de textures strictement synthétiques. Mais parce que les saveurs sont bien moins plastifiées que par le passé, on pardonnera plus que facilement ce fait établi. Car r.roo est un esthète, qui patine sur les couches glacées et lisses d'une étendue triste et romantique sans jamais la faire céder aux habiles sirènes de la dépression. Sans sombrer dans un versant émotionnel sirupeux et déjà trop entendu. Il a compris que le trop est l'ennemi du juste, que les rythmiques n'ont pas besoin de s'enfermer dans la forteresse inaccessible de la complexité pour répondre comme il se doit à ses arabesques et cavalcades pianistiques. Ses simples accords mineurs s'accouplent parfaitement à la spontanéité virevoltante des violons et aux furtives émanations lyriques. Medlenno et Oktrovenie s'avancent donc comme les plus beaux titres dans le style. Empreints d'une richesse et d'un esthétisme très original. Le glitch et le beat, sont certes en retrait par rapport aux oeuvres passées mais trouvent une place essentielle dans une toile plus musicale que technique. Les glissements de terrains, qu'on préférera baptiser de fugaces transitions, font évoluer le thème général et les systèmes rythmiques, passant allégrement de l'intraçable (l'excellent Ostuplenie) au plus binaire (Au fall). Cette démarche peut même se révéler anarchique et alternative, dans un sérail IDM qui compte bien plus de règles et de conventions qu'on voudrait le croire, surtout sur le plan des sources de conception et de la rythmique en général.

Des titres comme On the Other Side Of The Glass ou From You forment un peu le ventre mou de l'opus, même si le piano est toujours aussi simplement bouleversant. On leur préférera le libre et transi Hello My Reflection, malgré certaines invitations à la kitscherie. Pareil pour le plus cristallin et contemplatif Don't Talk About It. Je passerais par contre mon tour sur One Day, où les vocalises digitales présentes me font penser à l'inéluctable déboulé d'un hologramme entonnant une énième version re-visitée de Prince Igor (dédicace à Sissel, même sans Warren G). On pourra donc regretter que certains titres n'aient pas été rempaclés par des trucs un peu plus débridés. Comme sur Thank You un peu, mais surtout comme la ligne de basse venue d'ailleurs et le tassement de beat progressif du très très bon We Will Never See How People. Même le déchirant Vydokh de fermeture ne parviendra pas à détacher l'auditeur de Ostuplenie, vraie surprise de l'album dont l'approche expérimentale et sauvageonne mériterait d'être plus poussée à l'avenir. Les interférences, les signaux de détresse en amont de déflagrations de bruits blancs ouvrent magnifiquement la voie à ces beats et glitchs claudiquant, et à cette nouvelle révélation de classiques beautés.

r.roo signe ici la meilleure release de Tympanik cette année. Cet insatiable travailleur doit malgré tout veiller à ne pas trop en faire et donc à ne pas s'éparpiller. Si il veut continuer à susciter l'intérêt qu'il mérite. Gare au syndrome Pleq d'il y a quelques années, heureusement transcendé par de nouvelles directions salvatrices (toujours aussi nombreuses néanmoins). L'ukrainien se démarque de ses congénères en livrant une partie plus musicale et personnelle que jamais. Qu'un tel album ne bénéficie pas d'une sortie physique est bien là le seul regret. Recommandé donc, malgré tout.

par Ed Loxapac

Sortie : juillet 2012

Label : KOMU (Koenmusic)

Genre : Classical, Drone, Ambient

Note : 9/10

Je ne cesse depuis quelque temps d'inviter nos nobles lecteurs à se pencher sur Ian Hawgood, musicien polyvalent britannique installé au Japon, qui gère les labels Home Normal, Nomadic Kids Republic, Tokyo Dronings et depuis peu : KOMU. Le gars participe a tellement de projets qu'il en est presque difficile à suivre. C'est d'ailleurs lui qui a réalisé la première sortie du label (précédent juste celle-ci), le superbe et radical Shattered Light, sur lequel on reviendra très vite. Toujours est-il qu'en dehors de ses incontestables talents de musicien, ses différents abris sont des références absolues pour mélomanes volages, de l'electronica au classique, en passant par l'ambient et le drone bien épais. Black Elk est une réunion, qui relèvera peut-être uniquement du one shot, autour de quatre artistes confirmés. Ian Hawgood donc, pour les arrangements et à mon avis certaines parties de guitare. Idem pour Tim Martin, de Maps & Diagrams. L'unique Danny Norbury, proche de Library Tapes et membre de The Boats et  Kinder Scout, au violoncelle. Et Clem Leek au piano, qu'on a déjà plus qu'aperçu dur des labels aussi crédibles que Hibernate, Rural Colours et Dead Pilot. Sparks est donc sur le papier une oeuvre pleine de promesses, qui bénéficie en plus d'un mastering du non moins magistral Lawrence English. De quoi plonger, les yeux fermés.

Sparks est un conte musical intemporel et mystérieux, tutoyant la terre, la mer et le ciel. Bien qu'empreint d'un brouillard cotonneux et magnétique, il s'élèvera tel un phare guidant les chiens de mer perdus au milieu des menaçants récifs. Pour rejeter ceux qui se noieront en ce sage ballet triste et nocturne, vers des berges régénérantes et opportunes. 

Sparks est donc un album qui joue avec les surfaces, les textures et les distances. Si la production allouée relève du coup de maître absolu (le mix, le mastering et les arrangements sont littéralement implacables), cette triste beauté sauvage se déshabille aussi vite qu'elle se revêt. Jouant avec l'auditeur comme un pauvre marin enfin libéré, qui trop pressé, voudrait la voir trop rapidement dénudée. La formation Black Elk produit une musique qui n'est jamais aussi belle que lorsque elle est parée d'effets. Point de simple réverbération ici. Le delay se veut discret mais élégant. Tout comme la somme impressionnante de techniques d'enregistrements, qui ont la bienséance de ne jamais supplanter le coeur purement musical d'un oeuvre transie par de nobles sentiments.

Le piano, au départ exsangue mais pénétrant, annonce dès l'ouverture la couleur générale, claire obscure tendant vers le vert de gris. Dans ses instincts les plus spontanément beaux à crever, il se voit au fur et à mesure empli d'un spectre feutré et ondulant. Les pédales s'activent et se noient dans cette sobre et efficace inondation d'effets, pour construire une entité sonore extrêmement fluide et absorbante. Si la pure beauté de As Wraith trouvera toute sa substance dans les accords simples égrainés par une guitare sèche en amont de splendides ornements, le violoncelle apparaîtra comme le plus beau des éléments. Renouant ainsi avec la plus désarmante et immaculée splendeur des fusions électro-acoustiques. Juste admirable.

Après tel chef d'oeuvre concret, les exceptionnels et lumineux Jökull et Lost Hearts mèneront l'auditeur dans une vapeur saturée où l'on cherche son trop lointain partenaire du doigt. Quêtant la chaleur et la tendresse avec inquiétude, orphelin de l'autre index. Même à distance le coeur est présent, surtout quand le poids du souvenir maintient en vie l'inexplicable ravissement. Cet ersatz, de post-rock/shoegaze/droney numérique, est un véritable chef d'oeuvre de romantisme opaque et abstrait. Avant tout parce qu'on ne saurait dire ce qui anime cette musique simple et troublante, d'où viennent ces uniques et ivres parfums de spleen et de mélancolie. 

La roche de Sparks est poreuse mais pas friable. Les éléments la pénètrent pour faire éclater toute sa beauté. Pour que crépitent encore et encore, le coeur et les cris d'une musicale poésie dont on a trop peur de connaître le nom.

Et il y a cette voix, manifestement jeune, féminine et japonaise, qui apparaît sur Sparks et The Blackest Sky. Sa présence (et son absence par extension) apaise autant qu'elle égratigne, renforçant ainsi le sentiment de trouble généralisé à l'album.

The Blackest Sky, bien que toujours paré d'effets et de tension, renouera avec les aspects plus dénudés sur le plan instrumental. Avec la force d'autant transmettre. Tout comme le terrassant From Hunters Point, où le violoncelle de Danny Norbury déploiera sa criante plainte, au milieu des field recordings et des jeux de voiles posés sur le piano. Ce titre se tait dans un point de transition extrêmement rapide vers le diluvien Hap, avec ce micro glitch, cet épidermique dérapage numérique qui symbolise à lui seul toute la force du mix et du bloc album. Aphotic Widow, où le dialogue franc et sec entre deux amants (le piano et le violoncelle) qui ne s'aiment comme il faut que dans l'éloignement, aboutira a cette troublante et enfantine sensation de disque rayé en Outro. C'est probablement sur ces deux titres finaux, qu'on observera avec plus de précision la virtuosité du piano.

Sparks est un indispensable. Mais ça vous l'aviez probablement déjà compris. C'est avant tout cette subtile parcimonie dans le placement des éléments qui la rend si belle. C'est parce qu'il est très absent que le violoncelle de Norbury est si remarquable lorsqu'il pointe le bout de ses cordes. C'est un album de fusion, instrumentale, technologique et émotionnelle. La seule crainte est désormais que tel projet nous laisse à jamais orphelin. La mer est une salope. Elle maintient souvent dans ses profondeurs les enfants qu'elle a préféré, pour que plus jamais la terre n'ai quoi que ce soit à leur enlever. Il ne serait donc pas complètement inutile de prier le ciel. Car cet album est je le répète, tout bonnement exceptionnel.

par Ed Loxapac

Sortie : juillet 2012

Label : Denovali

Genre : Experimental, Ambient

Note : 8,5/10

Eugenio Caria est italien, de Sardaigne plus précisément. Précision ô combien importante en fonction du caractère insulaire qu'on voudra bien déceler dans sa musique. Même si A New Life est son premier album, ce fanatique du field recorder et des expérimentations est tout sauf un débutant. Il n'y a qu'à écouter son Requiem For A Dream (faut le trouver hein) pour en être le témoin.  Utilisant des matières à priori pas ou peu complémentaires, son travail a trouvé abri chez Denovali, label allemand à qui on doit déjà cette année l'indispensable II de Bersarin Quartett (ici), et la fresque tortueuse en trois parties du français The Eye Of Time (ici), magnifiée par de volontaires aspérités malades. A New Life est lui aussi un sacré pavé, séparé en deux parties bien distinctes. Prévenons tout de suite qu'une préparation psychologique est nécessaire avant de s'immerger dans les sphères fiévreuses et bipolaires de Saffronkeira. Le péril face au puits sans fond de la folie est à portée d'oreille.

On dit que quand les malades persévèrent à corps et à cris dans l'antre de la folie, ils peuvent entrevoir les portes d'un certain paradis. Une nouvelle vie, c'est quand même une drôle de promesse pour qui n'est pas averti. Placée entre la photo jaunie de l'innocent que l'on fut et le tableau de ce qu'on a pas voulu devenir, la piqûre de la conscience ne saurait laisser choir celui qui a fui. Celui qui a tenté du moins. La démence est parfois une voie inconsciente mais salvatrice, pour qui a le bon goût de ne pas se laisser berner par une existence factice dont on voudrait contempler l'agonie. La folie peut tenir à distance des affres de la vie. Choisir une vie meilleure plutôt qu'une nouvelle vie ? Les fous sont les derniers vrais rebelles face à l'ordre établi. Même si la descente aux enfers n'est pas pavée de sensations fleuries. Que ces innocents soient bénis.

Pourquoi ce maladroit concours d'assonance, laissant la part belle à une noble et aiguë voyelle ? Parce que New Life semble évoquer les cicatrices béantes d'un parcours accidenté amenant lentement mais sûrement vers la folie. On ne saurait dire si cette dernière s'est construite par décompensation ou du fruit d'une anomalie cérébrale sévère. Peut-être les deux. Peu importe en réalité. Certains secrets d'inspiration artistique se doivent de rester enfouis. C'est sans aucune limite que semblent évoluer les ramifications. Avec tout ce que cela comporte de sursauts, de décharges pavoisant devant l'impossible rémission (111208 et First Denti). Car le décès social précède le décès physique.

La vie est un chemin d'argile, qui sous le soleil s'effrite où l'on s'embourbe sous la pluie. Qui ne tient que gelée par l'hiver, sa morsure me fait courir. Ma grande nouvelle aura changé, c'est la mort qui est annoncée mais l'hiver, c'est fait pour résister.

C'est de cette troublante mais surpuissante approche minimaliste, de cette alliance difficile à maîtriser entre l'électronique et l'électricité que naît l'impressionnant travail expérimental de l'italien. Pourtant, nulle complexification bête et méchante n'est à déplorer. Bon nombre d'artistes seraient bien inspirés de céder à cette conversion au pragmatisme, surtout pour ce qui est du travail autour du beat et de son rôle. Mais aussi à propos de pareilles sèches et brutales émanations noise. Les basses fréquences ouvrent les voies à des frappes sourdes, à des gargarismes analogiques et à des field recordings plutôt bien choisis pour exprimer atmosphère si dark, plongeon si âcre et profond dans les abysses d'un esprit malade. Il y a même des moments où on ne parvient pas à comprendre ce qu'il fait. Où il puise ses sources saumâtres, et où est la marge d'improvisation. Sûrement de sa caboche comparable à un haut fourneau industriel.

Bien que plus facile d'accès, moins expérimentale et physique sur le long terme, la première partie m'apparaît comme peut-être plus pertinente. Car plus épique et plus immersive. Peut-être moins grandiloquente et moins prétentieuse aussi. Ce n'est pas forcément un reproche, encore moins quand un scénario qui se veut aussi long et poignant qu'un Sergio Leone n'acouche pas d'un Robert Hossein. Car pas d'artifices ni de batard sampling ici. C'est même assez fréquent de faire ce genre de constat devant pareil objet musical "hantologique". Quand le piano déboule au dessus des drones spectraux, et des grands renforts d'orchestration. Les niches musicales, elles aussi, ont droit à leurs hyper productions. Il ne faut pourtant pas s'y tromper, il y a du génie dans ce romantisme sombre, qui trouve toute sa force dans des ambiances aussi belles que vénéneuses. Je ne les décrirais pas volontairement. D'autres le feront, mais seront forcément à côté d'un ressenti qui ne peut être qu'individualisé. Je me contenterais d'écrire qu' Ethan et 8th Months sont des tueries éreintantes. Que si Last Days aurait pu avoir sa place sur l'oeuvre de The Eye of Time, il joui d'un éclat épique plus équilibré et bien mieux produit. Je dirais aussi que les trois dernières pièces de la deuxième partie sont des réussites totales sur le plan strictement musical pour qui saura patienter. Pas de thème inertique principal dans lequel se morfondre, la force évocatrice du concept est suffisante. La fin sera tragique. Ce sera bien là, de toute une vie, le seul contrat bien rempli.

Oeuvre impressionnante de 120 minutes qui ne s'écoutera qu'aux heures sombres, A New Life est plus qu'un album. C'est une tranche de vie, réelle ou inventée, qui ne pourra que bénéficier de son exceptionnelle enveloppe physique. Possédant des accointances avérées avec celle de The Eye Of Time, elle trouvera une place de choix dans une noble discothèque, entre In Bocca Al Lupo de Xela et les oeuvres complètes de Leyland Kirby. Un hommage qui se veut aussi, comme un avertissement.

par Ed Loxapac

Sortie : mai 2012

Label : Touch

Genre : Drone, Contemporain, Violoncelle

Note : 8/10

Le charme sauvage de l'islandaise n'a d'égal que son éternelle humilité. Celle dont le prénom est aussi difficile à écrire qu'à prononcer, est installée depuis quelques temps à Berlin, visiblement définitive capitale pour tout musicien qui se respecte. Même si elle est très loin d'officier dans des sphères mainstream, elle a donné un sévère coup de projecteur sur l'instrument qui lui est cher : le violoncelle. Véritable symbole du label Touch (avec Fennesz et quelques autres), son magnifique Without Sinking et sa miraculeuse collaboration avec Hauschka sur Sonic Pieces, font office d'indispensables pour bien des mélomanes avertis. Son Mount A, signé sous son pseudo Lost in Hildurness, est tout aussi recommandable (peut-être encore plus) même si il est moins souvent cité. Tout ce qu'elle touche se transforme en or. Même si tout le mérite lui en revient probablement, Hauschka fait aujourd'hui le bonheur du légendaire et inaccessible Deutsche Grammophon, référence classique si il en est. Quand on dit qu'elle a également collaboré avec des gens comme Ben Frost, Throbbing Gristle ou Pan Sonic, ça a tout de suite un impact un peu plus évocateur vis à vis de la virtuosité de la demoiselle. Leyfou Ljosinu (Allow The Light en anglais) est sorti il y a quelques semaines chez Touch, entraînant des réactions aussi vives que contrastées.

Enregistré dans les conditions du live au Centre de Recherche Musicale de l'Université de New-York, Leyfou Ljosinu est un album très particulier, mais qui se révélera comme tout sauf anecdotique avec le recul, dans la discographie de Hildur Guonadottir. Outre le fait que le GRM français (Groupe de Recherche Musicale) ai joué un rôle très important dans le projet, c'est avant tout les méthodes d'enregistrement qui ajoute tant de singularité à cet album. Pour d'autres, c'est ce qui déconcerte si j'en crois mes rares lectures sur la virtuelle toile. Quand on parle de méthode d'enregistrement, il faut surtout citer le matériel en question. Un couple de micros électro-statiques (Neumann U87) et un Soundfield ST450. Que des microphones qui coûtent la peau des couilles, et qui sont très difficiles à maîtriser pour ceux qui n'ont pas de réelles connaissances et de maîtrise de l'ingénierie sonore (à ce niveau là on peut même parler de science). Je vous épargnerais l'importance du placement et de la disposition des différents éléments pour profiter au maximum de cette luxueuse installation. Tout le monde sait que les lecteurs de Chroniques Electroniques n'ont strictement aucun intérêt pour le domaine technique.

Ceux qui ont eu la bonne idée de plonger les oreilles dans des titres tels que Light ou Reflection, savent que l'islandaise n'en est pas à son coup d'essai expérimental, et que s'approcher du drone ne lui a jamais fait peur. la démarche n'a pourtant jamais été aussi poussée. Après un Prelude dans la plus pure tradition Hildurienne (à pleurer donc), la fresque est là, ambivalente et ondulée, prête à transmettre son lot de mystères et d'émotions.

L'islandaise connait si bien son instrument qu'elle peut le laisser divaguer vers des trajectoires imprévues. Ce buste de bois qu'elle place entre ses jambes comme un torse masculin, semble même être un prolongement d'elle-même. On comprend vite lorsqu'elle caresse ce pelage de cordes, qu'elle a les armes pour le faire parler, gémir et hurler. Il est l'instrument de son génie, avec toute la noblesse que cela comporte.

La voix s'égraine, des paroles incompréhensibles, voilées, murmurées, mais qui semblent tant dire. Les notes sont amples, installent progressivement le canevas. Déjà, le travail autour de la spatialisation est remarquable. Ce grain, si spécifique aux objets Neumann, et ces mediums qui semblent si lointains, ajoutent à l'atmosphère une tonalité profonde, insondable et solennelle, digne d'un faux conclave en chapelle ardente. Les silences occupent peu mais bien l'espace. La voix se répercute contre des parois poreuses et millénaires. Puis, les notes se resserrent, le thème se gorge d'inquiétude transie. Ce qui se révélera comme une insoutenable attente propice à l'assise de la charge expérimentale (jusqu'à la 23ème minute) , prendra des allures de longueurs pour ceux qui entendent plus qu'ils n'écoutent. L'instrument de toute les attentions déploie sa plainte au milieu des voraces échos. Puis, et c'est là que toute la technique de l'islandaise est impressionnante, la caresse se fait plus violente et plus débridée. On pourrait croire qu'elle saisit ce tronc comme un stradivarius léger comme une feuille d'érable, pour lui arracher ses secrets les plus inavouables. Elle est seule mais l'impression que la scène compte dix concertistes est bluffante. Sans jamais céder à la cacophonie et à la surcharge, les six dernières minutes seront dantesques. Jusqu'à ce désarmant silence, qui rendra ce pavé musical si obsédant. Tout n'est plus qu'absence, avec toute la paix et la frustration conjuguées.

Ceux qui assistérent aux installations de Pimmon, Monolake et Hildur sous l'égide du GRM et de Présences Electronique avaient, pour certains d'entre eux, émis une certaine réserve voire de la déception. Il y a deux écoles dans ces cas là, ceux qui ne jurent que par l'immédiateté des albums en eux même, et ceux qui envisagent la musique (l'expérimentation surtout) dans sa configuration scénique. Il en est de même avec cet album. Déconcertant peut-être, mais tout sauf décevant. L'exigence est la panacée de ceux qui vivent la gueule dans le son. Un album à part donc, mais qui comptera. Hautement recommandé.

par Ed Loxapac