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24 mai 2012 4 24 /05 /mai /2012 13:35

Sortie : Avril 2012

Label : Mute

Genre : Transe industrielle

Note : 7,5/10

 

Plus qu’un album expérimental, Transverse est une expérience. Le corps malmené doit trouver sa voix pour espérer tenir sur la longueur. Car on n’appréhende pas un disque de Carter Tutti Void à jeun. Ce serait tout simplement une hérésie. En effet, la triplette n’est pas une simple référence dans la musique indus, c’est tout simplement LA référence, du moins pour les deux premiers.

Chris Carter et Cosey Fanni Tutti sont des monstres sacrés de la musique bruitiste, eux qui sont à l’origine de Throbbing Gristle, en compagnie du plus grand cinglé et génie vivant encore sur terre, Genesis P-Orridge. Je vais éviter de tomber dans la biographie sélective puisqu’il est impossible d’en établir une quelconque cohérence. Disons seulement que depuis 30 ans, du duo Chris and Cosey, en passant par la refondation en Carter Tutti, nos deux anglais ont sorti un nombre astronomique d’albums tout en maintenant en parallèle une multitude de projets personnels. Ces deux-là sont des sommités de la culture underground, si ce n’est de l’art en général. Et Void ? C’est la voix de Factory Floor, groupe post-industriel actuel pas déméritant.

 

Le début des travaux, entamé par V1, est un conditionnement nécessaire. Cette mise en place répond à une organisation anarchique. Ca perce, ça découpe, ça scie. Pour le moment, le beat est lointain, la pulsation cardiaque fréquentable. Cette structure aléatoire répondant à un principe de destruction/construction n’est là que pour ouvrir lentement votre cerveau aux errances noises et déflagrations industrielles à venir.

Dès V2, la machine est lancée, le beat se fait plus lourd. La transe peut alors débuter, pour ne s’achever qu’à la fin de l’album. Ce vortex vous cisaille l’esprit par la force d’onomatopées spectrales de Void, renforçant la sensation de malaise. Carter et Tutti malaxent tout ce qui peut bien tomber entre leurs mains. V3 et V4 deviennent alors de fascinantes expériences hypnotiques. Le beat se mue en un didgeridoo hostile pour une ambiance de plus en plus nocive.

Le fait d’avoir enregistré live ces 4 premiers morceaux rend l’expérience encore plus immersive. Et même si les deux derniers titres sont un poil moins attirant, ils n’en demeurent pas moins réussis. Malgré l’aspect résolument industriel de Transverse, on ne sent jamais agressé. On se contente plutôt de subir ces tâtonnements bien plus contrôlés qu’ils n’y paraissent. La seule contrainte que semble s’être imposée Carter Tutti Void est celle du temps puisque chaque morceau dure 10 minutes. Le résultat est à la hauteur du mythe tant Transverse n’en finit plus de fasciner.

 

Carter Tutti Void signe un album de transe industrielle magnétique et à danser au cœur d’un immeuble à l’abandon, le soleil venant se jouer des ouvertures, façonnant des ombres hostiles.  L’expérience totale se révèle autant transgressive que déridante.

 

http://static.nme.com/images/gallery/2012CarterTuttiVoidTransverse600Gb.jpg

 

par B2B

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22 mai 2012 2 22 /05 /mai /2012 00:51

Sortie : avril 2012

Label : Hymen

Genre : Indus, Dubstep, D&B, Breakbeat

Note : 7,5/10

 

Avant d'être pendant presque dix ans une des égéries du label Ad Noiseam, Cdatakill, ou Zak Roberts, fut un activiste reconnu de la scène hardcore. C'est sans doute là qu'il a appris à pulvériser ainsi le beat, à concocter ses mixtures harsh indus bien senties. Presque dix ans après son double Paradise, il rejoint la maison Hymen, crémerie qui accueille déjà régulièrement Ginormous, Nebulo, Hecq, Lusine et Architect, et à qui ont doit déjà cette année l'excellent Pressentism de Frank Riggio (ici). L'artwork est comme souvent signé de la main de Salt. Cet ange exterminateur apparent ne semble pas habité par de bonnes intentions. Boucherie, or not ?

 

A la fin de la première écoute, on regrettera peut-être (encore) que nul ne résiste aux enrobages dubstep pour déployer vélocité, puissance et efficacité. Jonathan Davis (le chanteur abusé de Korn) avait prévenu un certain auditoire, que lui et son pote Skrillex (oui oui, que du beau linge) avaient incarné le dubstep bien avant qu'il ne soit reconnu. Si le père Davis n'en est pas à son premier excès mégalo et infondé, la précédente tirade vaut beaucoup plus cher quand on pense au cas de Cdatakill. Car on retrouvait déjà certains de ces ornements sur ses premiers albums. Voilà pourquoi les fervents donneurs d'étiquettes devraient se réjouir en qualifiant cet album de doomstep.

Je ne ferais pas grande révélation en rappelant que je conchie le dubstep presque autant que le neo metal. Pourtant, quand certains mecs avec un background musical plus large et plus sérieux s'y essaient, ça peut quand même avoir une sacrée gueule (comme Hecq avec son Avenger (ici), déjà sorti chez Hymen l'an dernier). Dans le cas précis, on peut même dire que ça surbute des ombrelles, car enfermer Cdatakill dans cette vilaine case est plus que réducteur. Ses principales forces sur Battleworn ? Faire cohabiter des sphères et des genres dont l'union évoque l'improbable.

Comme sur l'annihilateur et diablement efficace Dirty Up Your Mind, dont la drum'n bass semble avoir appris autant de la double pédale du metal que des sentiers club. Ce sera encore plus audible sur le non moins puissant The World Is Coming To Another End en fin d'album, agrémenté de riffs gras et huileux comme la moustache d'un mécanicien alsacien.

Si il abuse aussi de l'excellence pour ce qui est du mix et de la production, il n'est pas manchot dans sa manière d'intégrer les samples. Commençons tout d'abord par saluer l'apport de la régulière et spectrale apparition de cette voix féminine chaude et voilée, sur Angel Carcass, Battleworn, Scarless et I Swear. Impossible de faire l'impasse sur l'hommage, et re-lecture encore plus menaçante du God Will Cut You Down de Johnny Cash, pièce maîtresse de l'opus avec Dirty Up Your Mind.

Il y a par contre certains moments où on retrouve tous les poncifs exécrables du genre, qui raviront les fans du "plus c'est gros, plus ça passe". Dans certains enchevêtrements rythmiques, et surtout dans l'intérêt plus que discutable des remixes ajoutés. Je ne mentionnerais même pas l'intégration du skank reggae lyophilisé, les accents vaguement dub qui pullulent sur le pourtant très bon I Swear, annonciateur d'un futur massacre en cathédrale luthérienne.

 

Mais malgré les légères remontrances qui jaillissent de ma carcasse d'aigri (hater, et fier avec ça), Battleworn est un album tout à fait réussi, qui ravira les fans de la première heure de Cdatakill et ceux qui aiment qu'on vérole la bass music d'une certaine virilité. Voilà qui devrait quand même réunir un bon paquet de gens.

 

http://www.adnoiseam.net/store/images/cdatakill-battleworn.jpg

par Ed Loxapac

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21 mai 2012 1 21 /05 /mai /2012 09:33

Sortie : Mars 2012

Label : Dynamophone

Genre : Ambient, IDM, field-recording

Note : 8/10

 

Au Japon, les mégalopoles ne sont jamais loin d’une nature omnisciente. Cette dualité confronte les extrêmes, insufflant à l’homme la dose de respect nécessaire. On ne transige pas avec la nature, on apprend à vivre avec, à ne pas empiéter de manière ostensible sur son territoire. Ce profond respect de la terre est la composante essentielle de la culture nipponne.

Il existe une esthétique « nature » dans le domaine musical. Difficile à définir verbalement mais automatiquement identifiable auditivement, le genre est incontestablement poétique et lumineux, ralenti et élégiaque. Geskia!, que l’on avait connu plus urbain, notamment sur l’excellent album glitch-hop Eclipse 323, a donc décidé de suivre la voix de mère nature pour un Muon en tout point exemplaire (et disponible à un prix démocratique sur Bandcamp).

Tout en courbes, volutes et contemplation mélancolique, Muon fait partie de ces disques que l’on aime se caler au chaud, pour une écoute religieuse. Une des clés de l’album se trouve d’ailleurs dans les titres de ses morceaux puisque si l’on prend la première lettre de chacun, on obtient « I am Lonely ». Vous aurez donc compris que seul une écoute solitaire vous amènera à flirter avec l’extase.

Ode absolue à une nature bienfaitrice, on ferme alors les yeux pendant 1 heure, à la recherche du temps perdu des souvenirs enfouis. Geskia! nous invite à une ballade lente et vaporeuse, parfaite métaphore d’une rosée matinale qui n’en finit plus de prendre son temps, laissant la brume s’évaporer au rythme lent d’une source proche.

La plupart des morceaux jouissent d’une même organisation, comme pour mieux souligner l’aspect profondément structuré d’une vie. Suite à une lente mise en place d’une nappe ambient, la progression prend place. Des fines clochettes, en forme de poussière scintillante, viennent vous chatouiller pendant que la magie tenace du field-recording peut opérer. Entre paraboles aquatiques ou émergence d’un feu lointain, nous sommes bel et bien au cœur de la nature. C’est lorsqu’une nappe supplémentaire apparaît, comme rehausseur d’émotions, que le morceau prend alors vie et vient nous bousculer. De manière régulière, Geskia! ajoute une fine touche d’IDM. Mais là où cette dernière aurait pu robotiser l’ensemble, c’est l’inverse qui s’observe. L’humain trouve alors sa place dans ce puzzle, il est convié à errer dans cet espace de liberté totale avant qu’une lente descente s’opère.

Muon est un album qui fera succomber les cœurs de pierre les plus récalcitrants. Que celui qui n’éprouve aucune émotion sur Abuttal, Melamine ou encore Lachrymose, viennent immédiatement se manifester. Sincèrement, rarement un album d’ambient-IDM aura su à ce point touché ma corde sensible. A ce niveau-là, ça relève presque de l’indécence. Soit Geskia! est un pur génie de la musique électronique, soit il est un alchimiste de la poésie. Je préfère opter pour la seconde solution, me disant ainsi qu’il existe encore des magiciens capable de vous transpercer le cœur avec deux bouts de ficelles.

 

http://f0.bcbits.com/z/42/73/4273643858-1.jpg

 

par B2B

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18 mai 2012 5 18 /05 /mai /2012 14:19

Sortie : 21 mai 2012

Label : Dial

Genre : Krautrock, ambient

Note : 5,5/10

 

Les panthéistes sont à l’affut du moindre battement de cils de leur totem, Pantha Du Prince. Imaginez l’émulation collective lorsque ce dernier a annoncé la mise en place d’un nouveau projet. Dès lors, il ne restait plus qu’à spéculer sur l’entité Ursprung.

Quelques mois après le teasing de l’allemand, il est enfin temps d’y voir plus clair. Pour être sincère, cela fait déjà un petit moment que l’album tourne chez moi, j’ai donc eu le temps de tranquillement l’écouter et l’étudier. Et le constat est pour le moins mitigé.

 

Avant tout chose, il est nécessaire de définir les contours d’Ursprung. Il s’agit de la collaboration entre Hendrik Weber, le fameux Pantha, auteur des sublimes albums techno This Bliss et Black Noise (chronique ici), et Stephan Abry, membre du groupe électro-expérimental Workshop. Nos deux compères se fréquentent depuis quelques printemps et l’envie de mêler leurs influences s’est révélée tellement forte que la maison Dial a décidé de sortir leurs expérimentations.

Exit la techno de Pantha Du Prince et les élucubrations électroniques de Stephan Abry. Ursprung fait place à une krautrock atmosphérique. Etant moi-même plutôt réceptif à ce genre, je suis donc parti avec un apriori des plus positifs. Et d’ailleurs, ce n’est pas le morceau d’ouverture qui me contredira. Mummenschanz étale son aura sur 10 minutes élégantes. On y retrouve la basse enveloppante et si particulière de Pantha. Le morceau se structure finement, prend progressivement place en nous, grâce à la légère guitare électrique de Stephan. Et quand la basse prend l’ascendant, c’est pour mieux nous emporter dans son mélancolique sillage. Une telle ouverture ne pouvait que présager une suite élégiaque. Il n’en sera rien.

Le duo se complait directement dans un krautrock chiant et abscon, flirtant de trop près avec la branlette superfétatoire où une guitare famélique copule maladroitement avec des bidouillages électroniques anecdotiques. Une grande majorité des morceaux n’a strictement rien à raconter et ne possède aucune âme. On imagine aisément nos deux potes en train de kiffer leurs créations sans aucun recul. Même lorsque Ursprung se prend pour les séminaux Durutti Column sur le titre Lizzy, ça tombe à l’eau devant le manque d’ambition. On pense alors à un autre récent semi-caprice de star en la personne de The Field, auteur du projet instrumental indolore, Loops Of Your Heart (chronique ici).

Pourtant, Ursprung arrivera par deux fois à me sortir de ma torpeur. Premièrement avec la lente ballade plaintive de Exodus Now (joliment clipé) et ensuite avec l’immédiat et quasi-cinématographique Kalte Eiche. Est-ce suffisant pour autant ? Loin de là.

 

Pantha Du Prince et Stephan Abry, ainsi que le label Dial, déçoivent avec ce Ursprung tristement inoffensif et ne réussissant qu’à provoquer l’indifférence. C’est bien dommage surtout lorsque l’on imagine à quel point cet album aurait pu être captivant si l’on se concentre uniquement sur les quelques titres stimulateurs de rêveries désincarnées.

 

http://images.hhv.de/catalog/detail_big/00272/272168.jpg

 

par B2B

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18 mai 2012 5 18 /05 /mai /2012 01:33

Sortie : avril 2012

Label : Nomadic Kids Republic

Genre : Folk, Minimal, Ambient, Field Recordings

Note : 8,5/10

 

Avec presque un album sorti tous les ans depuis 2006, The Green Kingdom navigue dans des eaux pures mais malgré tout confidentielles. Il est amusant d'apprendre que Mike Cottone vient de Detroit, tant sa musique semble opposée à une vie citadine. Ses productions électro-acoustiques avaient jusqu'alors fait la fierté et le bonheur de labels tels que SEM, Own Records et Smallfish. Jusqu'à ce qu'un certain Ian Hawgood, à la tête de l'extraordinaire label Home Normal et de sa jeune "filiale" Nomadic Kids Republic, ne vienne lui proposer une toute nouvelle exposition. J'avais moi-même chroniqué son Twig & Twine à l'automne 2009, mais la simple et rapide lecture de cette ancienne chronique me fait trop honte pour que j'ose communiquer aujourd'hui son lien. Egress est sorti le mois dernier, les exemplaires physiques n'ont presque pas eu besoin de promotion pour pratiquement tous s'écouler. Normal vous dirais-je, Egress est dans son genre, le meilleur album que j'ai eu l'occasion d'écouter cette année.

 

Qu'est ce que le minimalisme, au delà de cette étiquette parmi les autres qui permet à l'auditeur de se repérer ? C'est pour certains artistes (des vrais) une contrainte. Celle de devoir être évocateur avec peu et de parfois se laisser aller à l'essentiel en oubliant le superflu. Si certains ont érigé le minimalisme en tête de proue d'ambitions artistiques pseudo-contemporaines, d'autres refusent d'opposer le trop et le pas assez, rappelant à tout ce beau petit monde que la musique existe avant tout pour être écoutée par un plus grand nombre de curieux.

Fin de cette parenthèse qui n'apportera, je vous l'accorde, strictement rien à la chronique, mais qui soulignera comme il se doit, le tour de force tranquille réalisé ici par The Green Kingdom. Car Egress est un album de musiques électro-acoustiques qui sait transmettre tellement avec si peu. Nul besoin d'être doté d'un background impressionnant en la matière, pour succomber face à tant d'élégance et de simplicité. Il est donc accessible au plus grand nombre. Il suffit d'avoir un coeur et une installation hi-fi ou un casque pas trop dégueu, pour en faire le compagnon idéal à emmener sur une île déserte. Les plus jusqu'au-boutistes auront peut-être envie de se la jouer retraite Into the Wild, de quitter les bureaux oppressants pour aller se reposer à l'ombre d'arbres millénaires et vivre du fruit de leur chasse et de leur pêche. Rassurons d'ores et déjà les plus sceptiques, Egress n'est pas un album qu'on écoute chez Truffaut et n'a pas été playlisté par les communicants de chez Nature et Découvertes.

Les majestueux crins de Emerald Perspective nous transportent immédiatement vers des territoires calmes at apaisants. L'ambient, comme les drones et les field recordings, participent forcément à rendre ce soundscaping si immersif. Celui qui pose les oreilles et les pieds au creux de ces sentiers accueillants sera donc attentif au moindre boulversement, enveloppé dès les premières secondes d'écoute vers un microcosme auditif où la volupté et l'enchantement sont les seuls guides. Je ne reviendrais pas sur ma pseudo-thèse au sujet du minimalisme, mais mon dieu, comment est-il possible de témoigner d'autant de richesse avec un tel simple saupoudrage.

Je vous épargnerais mes visions ô combien personnelles, de farfadets rieurs courant à travers les touffes et les bosquets, de ce sentiment d'être enfermé dans une bulle de savon tel un narrateur omniscient des secrets d'une forêt chimérique. La catharsis, dépourvue de toute substance dramatique est pourtant bien là. Cachée derrière ce pur et troublant sens de l'esthétisme.

Signalons d'ores et déjà que les titres Woolgathering et Butterstorm sont des indispensables du genre. L'enchantement est de mise, surtout quant le deuxième cité lorgne du côté d'une folktronica savoureuse et fragmentée. Sur le premier, les accords simples de la gratte, associées à ce contraste dans les textures, entre le vert clair et le vert foncé, entre l'opaque, le nébuleux et le cristallin, ravivent les sentiments déchus des années de l'enfance ou à moindre échéance, d'une période où l'insouciance était de mise. Dans un genre aussi ondulé et plein de réverbérations limpides, l'excellent Rusticlub s'en tire plus qu'à bon compte, mais son caractère plus immédiat sur le versant émotionnel l'empêchera de prétendre au même niveau d'excellence. Idem pour la courte encordée homéopatique de The Caves of Summerisle.

C'est donc avec un plaisir encore plus grand qu'on accueillera les drones plus lourds et l'atmosphère plus embrumée de l'excellent Gray Waves, avant que notre nouvelle et virtuelle clairière préférée puisse prétendre à une jachère méritée sous un tapis neigeux, lors du morceau final au titre extrêmement bien choisi.

 

The Green Kingdom livre avec Egress son album le plus abouti et le plus remarquable. Il est encore temps de se le procurer via certains mailorders. Inutile de vous rappeler tout le bien que je pense de Home Normal et de Nomadic Kids Republic. Voici un album qui apporte la paix et le repos. Conseillons le donc à ceux qui souhaiteraient soigner leur éternel sentiment d'insécurité.

 

http://www.fluid-radio.co.uk/wp-content/uploads/2012/05/cover6.jpg

par Ed Loxapac

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16 mai 2012 3 16 /05 /mai /2012 00:55

Sortie : avril 2012

Label : Denovali

Genre : Doom Jazz, Experimental

Note : 8/10

 

Versant plus doom et plus expérimental du Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, The Mount Fuji Doomjazz Corporation est toujours emmené par Jason Kohnen (Bong-Ra) et son comparse Gideon Kiers. Si on ne compte plus les projets du blond dreadlocké (Wormskull, Death Storm...), on ne prend pas de grand risque en affirmant que celui qui nous occupe aujourd'hui est celui qui déchaîne le plus les passions, de par sa définitive vocation live et spontanée. Planet Mu, Ad Noiseam, puis enfin la crémerie plus que recommandable Denovali, autant de labels majeurs sur lesquels cette formation opaque et cosmopolite diffuse son free-doom-jazz narcotique. De même que pour TKDE, la place des intervenantes féminines est plus que prépondérante, même si le violoncelle de Nina Hitz est cette fois-ci absent. Avec en tête, le trombone de Hilary Jeffery, accompagné par la voix pure de Charlotte Cegarra et le violon de Sarah Anderson cher aux fans de Chrome Hoof. Enregistré en live à Moscou, le quatrième album de la formation, Egor, est disponible depuis un peu plus d'un mois chez Denovali.

 

On en connaît qui ont dû prendre sévèrement cher à Moscou. Assister à un concert comme celui-ci relève de l'expérience, sonique et psychédélique. Car ce qui impressionne toujours avant tout chez TMFDC, c'est l'état d'urgence qui s'expulse de leur musique, ainsi que cet éternel besoin de se mettre en danger, de sortir du confort du studio. Voilà pourquoi à l'heure même où j'écris ses quelques lignes, le combo continue de sillonner les routes de la Russie.

Il y a d'ailleurs dans Ergor des symboles qui ne tromperont pas la ferveur du peuple russe. Ainsi que des hommages directs à l'Europe de l'Est, dans la mélancolie des violons dignes de comptines dramatiques ashkenazes, qui auront l'intelligence et la bienséance de ne pas résonner comme des covers de Mein Yddishe Mame ou de la B.O de la Liste de Schindler.

Le groupe peut se permettre d'introduire son set en jouant à bas volume pendant près de dix minutes, plantant leur décor aussi plombant qu'orchestral. Puis, le trombone de miss Jeffery s'accentue jusqu'à affirmer la sentence, tandis que la voix de cantatrice de Dame Charlotte virevolte parmi les bidouillages hurlants de Sir Kiers. Pendant plus d'un quart d'heure, Lift Mashiny dévoilera dans toute sa progression les premiers contours de l'oeuvre.

Même si ça peut faire vomir certains puristes, la formation s'approche de plus en plus du jazz, même si l'enfermer dans cette noble mais trop hermétique case relève de la gageure. Alors oui comme dit un certain Nicolas de Berlin qui les connaît bien, "leur musique a gagné en consistance jazz ce qu'elle a perdu dans ses aspects les plus doom". Mais il y a toujours dans les fresques étalées, un reliquat post-rock, drone, ambient et même quelque chose qui vient du sound design. J'en veux pour preuve, les expérimentations toujours plus létales et franches de Gideon Kiers, qui sont définitivement avec la guitare de Eelco Bosman et les basses de Kohnen, les points d'armatures principaux de ce squelette complexe, beau et malade.

Voilà pourquoi, Stuchat' Kulakom Lestnitsa et Kosmonavt Rasputina (presque 40 minutes à eux deux) sont les pièces maîtresses de l'album. Parce qu'elles représentent cette synthèse brute et violente, aux confins de l'opéra post-rock et de la musique improvisée. La complémentarité des différents éléments est impressionnante, cette divine imbrication liante est la preuve des années passées à jouer ensemble et à écumer les scènes du monte entier. La fusion, voilà un mot qui ne veut depuis longtemps plus dire grand chose, mais qui apparaît définitivement comme le terme le plus adapté pour déterminer l'Ensemble. Ceux qui auront la bonne idée d'acquérir l'album n'auront certes pas de visuel associé, mais la retranscription du live est si bien réalisée que l'expérience psychédélique ne perdra que peu de sa substance. Et dieu sait que les albums live relèvent parfois de l'arnaque.

 

Savourons donc l'écrin ici offert (vendu en fait). Car même si le titre final connaît quelques longueurs, ses dernières mesures révèlent quelques surprises qui attestent que la musique du combo est définitivement à prendre au sérieux, même si eux ne semblent animés que par la passion et la spontanéité. Un groupe à voir en live avant ou après la mort.

 

the-mount-fuji-doomjazz-corporation-egor.jpg

par Ed Loxapac

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15 mai 2012 2 15 /05 /mai /2012 13:20

Sortie : Mars 2012

Label : Exit Records

Genre : Ambient, expérimental et j’en passe

Note : 8/10

 

Dan Griober, plus connu sous l’entité Dan HabarNam, est un producteur roumain d’une trentaine d’années. Peu connu, si ce n’est totalement ignoré, dans notre contrée, le mec bosse pourtant dans la musique depuis une petite dizaine d’années et est notamment membre des duos Unu’ et Hard B.. Mais ce qui nous intéresse aujourd’hui, c’est la sortie de sa première galette solo, From The Known, étrange et attachant objet hybride.

 

Album ouvert aux quatre vents, From The Known est un parcours initiatique dont le salut passe par l’égarement. Son apparente simplicité n’est qu’un leurre imposé par son immersion progressive. Dan HarbarNam a intelligemment agencé son album de manière circulaire, en prenant un malin plaisir à répéter certaines sonorités à l’infini. Pris au piège de ce cercle vicieux, vous faites face à un mur infranchissable. Les sonorités font échos dans votre esprit, vous obligeant à remettre à plat vos certitudes.

Difficile de catégoriser From The Known. La carapace ambient n’est là que pour mieux cacher un intérieur où se mêle musique expérimentale, post-dubstep, bass-music, techno et même, si ce n’est surtout, tout un pan du space-rock des 70’s. Une guitare omniprésente mais fuyante donne ainsi à l’album des allures d’odyssée aérienne. Mais attention, nous sommes bien loin d’un rétro-futurisme assumé, il s’agirait plutôt d’hommage contenu.

Tout semble lointain et fragile lorsque débute l’album. Record et Divided sont des pièces tremblantes, capable de s’effondrer à tout moment. Alors que vous commencez à fermer les yeux, The Known se fait plus grave et vous surprend avec ses coupes nettes à la serpe. Mais l’anesthésie locale vous protège de la douleur. La rythmique peut alors prendre l’ascendant sur un Memory volontiers plus frontal. Le trip prend alors des allures de déambulation nocturne schizophrénique sur Betray The Present avant de se muer en fuite en avant sur la techno lointaine de Becomes. S’en suit une descente progressive s’achevant sur la basse écrasante de Regeneration. La boucle est bouclée, le rêve consumé.

 

Dan HabarNam signe un superbe album d’ambient éclatée et éclatante, à la poésie reculée. From The Known rappelle en cela l’extase triste des tableaux d’Edward Hopper. Une telle œuvre doit se vivre pleinement pour mieux vivre l’abandon.

 

http://www.hypestreet.ro/wp-content/uploads/2012/04/dan-habarnam.jpeg

 

par B2B

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14 mai 2012 1 14 /05 /mai /2012 01:09

Sortie : 21 Mai 2012

Label : Warp

Genre : IDM bariolée, Drill'n bass édulcorée

Note : 4,5/10

 

Tom Jenkinson est une légende. Un de ceux qui a assis la réputation et la créativité du label Warp et de l'IDM avec Aphex Twin, Boards Of Canada, Autechre ou Plaid dans une moindre mesure. Bassiste, batteur et pianiste, Squarepusher voue un véritable culte au jazz, plus particulièrement à celui de Miles Davis, Jaco Pastorius ou Joe Zawinul. Même si ses talents de musicien naturel étaient au dessus de la moyenne, il a rapidement compris que les limites de la technique musicale pure pouvaient être dépassées, grâce aux bécanes analogiques, et au hardware encore un peu plus tard. Car franchement, il y a fort à parier que tout comme AFX, il n'en a jamais rien eu à branler de ce fameux concept qu'est l'IDM. Même si ils en sont probablement deux des plus importants artisans. Son truc à lui c'est le jazz, comme l'acid est définitivement le truc du Richard. C'est d'ailleurs ce genre, que beaucoup décrivent comme éternel, qui fait la liaison entre les deux virtuoses. De cette amitié réelle accouchera Feed Me Weird Things sur Rephlex, album mythique qui assoira définitivement la filiation naturelle entre le jazz et une certaine idée de la D&B.

C'est ensuite la période bénie, celle de l'épopée héroïque de Warp, entre 1997 et 2001. Citons donc Hard Normal Daddy et Burningn'n Tree comme deux autres indispensables de la discographie du bonhomme. Certains puristes avérés décrivent la sortie de Go Plastic comme le début de la compromission vis à vis des racines jazz. En atteste My Red Hot Car, titre dancefloor composé par Jenkinson pour se foutre un peu de la gueule d'un de ses potes, qui jugeait sa musique comme trop cérébrale. Il n'empêche que cet album contient des tueries vrillées et ludiques absolues. Tout comme le bruitiste et probablement trop en avance sur son temps Ultravisitor.

C'est ensuite que les emmerdes (et l'esbroufe ?) commencent. Avec le live "foutage de gueule" de Do You Know Squarepusher, le ludique mais trop funky Hello Everything, l'anémique et pasteurisé Just A Souvenir, la branlette de Solo Electric Bass et le projet inaudible d'infusion R&B/909 Shobaleader One. Ufabulum est annoncé comme un album qui réhabilite le son Squarepusher d'antan. Ceux qui le dise sont des gens crédibles et de bonne compagnie. Voyons voir si notre indécrottable aigritude saura taire sa bile.

 

Reconnaissons tout de suite que si Ufabulum avait été l'oeuvre d'un illustre inconnu d'Europe de l'est, nous aurions salué le potentiel technique incroyable ici étalé. Nous l'avons fait à maintes reprises, pour des gens qui n'ont d'ailleurs que trop rarement transformé l'essai. Seulement voilà, Ufabulum est l'oeuvre d'un dieu vivant. Les bleeps du plutôt pas si pourri 4001 ne feront donc que peu de temps illusion, car Ufabulum trahit un triste vide sur le plan de l'originalité et de la composition. Encore plus quand on ressort le vieux matos légendaire pour lui donner une tonalité plus cliché qu'autre chose. Je parle bien sûr de l'omniprésence de certains synthétiseurs mythiques, qui font ici certes bien joli dans le casting, mais dont le jeu n'est finalement digne que de la série B. Inutile donc après ça de s'acharner à descendre le criard et bien trop sucré Unreal Square et de tout ce qui suivra jusqu'au pauvrissime Red In Blue, qui ressemble plus à un interlude raté et étiré qu'à autre chose. Reconnaissons tout de même qu'il y a quelque chose de naïf et rafraîchissant dans Stadium Ice, quelque chose qui rappelle un peu certains titres de Hello Everything. Maigre consolation car c'est définitivement ça le principal problème de ce nouvel opus. Plusieurs tracks rappellent de loin le génie que fut Squarepusher. Parce qu'il renoue avec les sons bleepiens et une certaine déstructuration. C'est un peu le principe de la caricature, que de grossir avec excès les traits de l'original. Nous faire croire que c'est comparable, ça relève par contre de la malhonnêteté, ou à moindre échelle, à de la publicité mensongère.

Tout ce qui paraissait autrefois maîtrisé, même dans la frénésie la plus débridée, résonne ici comme des brouillons de faces B, sortis des fonds d'un disque dur pour tenter de continuer à exister. Un titre nommé The Mettalurgist méritait donc forcément mieux que cet amoncellement de régurgitations, de gargarismes digitales presque empruntés à une french touch (sans majuscules) 2.0 en errance. Voilà pourquoi Drax 2 est particulièrement réjouissant. Parce qu'il prend son temps pour installer son infection dans la cathédrale, parce qu'il est captivant et qu'il laisse planer le doute sur l'issue du morceau, à l'aide de griffures nettes et sans bavures. Ne boudons donc pas notre plaisir quand à la quatrième minute la rythmique se déchaîne enfin comme il se doit. Avec ce qu'il faut de folie dans la maîtrise pour mettre tout le monde d'accord. Mon constat à propos de Dark Steering sera plus nuancé même si in fine, il peut jouir de la même efficacité. Je n'arrive pas à avoir d'avis définitif à son propos. C'est surtout que je ne parviens pas à le détester, même si il le mériterait peut-être, avec son débarquement de beats taillés dans le laser de jedi et ces bolides du futur tunnées à la portugaise. Idem pour 303 Scopem Hard, qui même si il n'est pas plus impressionnant que ça, démontre que Jenkinson a retrouvé les modes d'emploi de l'analogique. De tels hommages se trouvent un peu partout sur l'album, 808, 909, 303, autant de modèles de bécanes des années 80 qui peuvent faire rêver quand on sait les dompter. La dédicace à une certaine acidité sur le final Ecstatic Shock, sera un brin trop convenue pour s'avérer de qualité. Dommage. J'aurais voulu y croire.

 

Vous l'aurez donc compris, il n'y a pas de temps à perdre avec ce nouvel album de Squarepusher, sauf si c'est pour se remémorer à d'épars moments la magie du passé. Pour ça, il vaut mieux investir dans ses glorieux albums précédemment cités, vendus actuellement à un prix pas trop abusif. Si Squarepusher n'en finit plus de décevoir, il demeure malgré tout un mythe. L'euphorie autour de ce nouvel album a de quoi faire sourire, ou pleurer. Vous qui nous accuser souvent de prétendre détenir une certaine vérité, autorisez nous à vous la faire partager. Cet album est quand même, un peu à chier.

 

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par Ed Loxapac

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12 mai 2012 6 12 /05 /mai /2012 11:00

Date : 10 Mai 2012

Lieu : Olympia (Paris)

 

Isam Live, cette tournée mondiale d’Amon Tobin, n’en finit plus de fasciner les foules venues admirer la prouesse visuelle d’un show dépassant les limites de l’imagination. D’ailleurs, vient-on plus pour en prendre plein les yeux que plein les oreilles ?

L’Olympia affiche complet depuis des lustres, le public sait parfaitement où il met les pieds lorsqu’il pénètre dans la respectée salle parisienne. Bonne surprise, la première partie est assurée par Lorn, valeur montante de l’écurie Ninja Tune. L’américain est seul sur son labtop, dans une mise en scène minimaliste. L’ouverture caverneuse annonce un concert rugueux. Lorn triture son électronica, l’amplifiant par une basse surhumaine, limite malsaine lorsque la mutation vers un hip-hop vicelard s'amorce. Lorn donne de son corps, de sa voix, il vit littéralement son live. Malheureusement, les nouveaux titres annonçant son prochain album ne sont pas des plus rassurants (on y reviendra bientôt car Ask The Dust tourne déjà sur nos platines). Le mec quitte la scène au bout de 30 minutes. S’en suit alors un conditionnement de haute volée se signalant par 20 minutes d’électroacoustique de plus en plus immersive. Le rideau laisse parfois entrevoir quelques lumières, mettant le public dans un état d’attente absolu.

Plongé dans le noir, l’Olympia vrombit lorsque le gigantesque totem en trois dimensions d’Amon Tobin étale ses lumières. C’est parti pour 1h d’un show visuel époustouflant. Impossible de regarder ailleurs, la foule est hypnotisée par le monstre, mélange d’une structure de Sol Lewitt et du trésor pixellisé Marble Madness. L’utilisation magistrale du support vidéo donne vie à la bête, laissant parfois l’impression que la scène est mouvante. L’esthétique résolument cybernétique de l’habillage sied parfaitement aux créations sonores d’Amon Tobin. Mais c’est là aussi que l’on atteint les limites du projet. En effet, le public semble davantage impressionné par la prouesse visuelle que par l’esthétique sonore. Et cela se comprend. A l’époque de la sortie d’Isam, on avait démontré notre scepticisme (chronique ici) face à un album purement technique, affirmant les talents d’Amon Tobin dans le domaine de la spatialisation sonore ou encore dans le traitement du field-recording, au détriment d’une construction cohérente et d’une humanisation pourtant primordiale. Cela se ressent fortement ce soir tant la démonstration prend le pas sur l’émotion. Point d’âme ici, seulement une dimension futuriste imposant la distance. Résultat : on regarde plus qu’on écoute. Mais cela n’empêche pas de prendre une claque folle notamment sur un musclé Surge ou sur le troublant et chancelant Kitty Cat.

Finalement, il faudra attendre le rappel pour voir Amon Tobin revenir à ses premiers amours en proposant 15 minutes d’une IDM/jungle nerveuse. Le public explose alors, se focalisant désormais sur ses jambes. Les rythmiques flirtent avec Cujo, prennent un malin plaisir à tout déstructurer en masse. Un deuxième rappel plus introverti, mais exploitant le module à son point de paroxysme, vient clore le concert. La standing-ovation est longue, très longue. En rejoignant le bitume, j’ai l’impression que tout est terne et plat. Il va falloir réhabituer mon regard à la normalité.

 

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par B2B

(Photos : B2B)

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11 mai 2012 5 11 /05 /mai /2012 13:54

Après plus de trois ans de bons et loyaux sévices, la mort de Chroniques Electroniques est annoncée pour le mois de septembre. Qui aurait cru à l'hiver 2008 que vous seriez chaque jour plus de 1000 à lire nos chroniques d'aigris. Nous vous remercions donc, lecteurs, trolls et commentateurs de nous avoir lus et critiqués pendant ces trois années.

A l'heure où la collusion entre l'industrie et la presse (la blogosphère aussi) est on ne peut plus tenace, nous constatons que proposer un contenu alternatif et non journalistique est devenu encore plus compliqué qu'à l'époque. Notre idée d'une certaine indépendance a fait son chemin, et nous ne comptons pas nous arrêter là.

C'est pourquoi, à l'heure même où Chroniques Electroniques connaîtra ses derniers soubresauts, nous vous proposerons de nous suivre sur un nouveau site, émancipé de la plateforme over-blog et de ses limites, avec une ergonomie et une charte graphique et éditoriale plus sérieuse. Si la musique électronique ne sera plus notre seul cheval de bataille, nous tenterons de maintenir le "ton" et le défrichage qui nous sont propres. Voici pourquoi, fans et fins connaisseurs de jazz, de metal, de (post)-rock, de hip-hop (sous toutes ses formes) et de musique classique contemporaine, nous vous sollicitons pour rejoindre notre humble mais ambitieux nouveau projet (rejoinsnouschroniques@gmail.com). B2B, Pneu Rouillé, Ed Loxapac et une nouvelle arrivante continueront de vous faire partager leurs coups de coeurs électroniques. A vous de franchir le pas, pour un jour vous réclamer comme nous d'une certaine élite, aussi malhonnête que de mauvaise foi.

Remercions donc les artistes et les labels qui ont accepté de nous faire partager leur musique jusqu'ici et plus loin encore. Nous tenons également à remercier tous ceux qui ont contribué à faire de Chroniques Electroniques ce qu'il est aujourd'hui. Merci donc à Raphaël, Manon, Bastien, Waky, Lou, shift., Mourad, Vincent, Sun, à l'arrache, Benjamin et tous les oubliés.

Merci à vous, aujourd'hui comme demain, de continuer à approuver ou critiquer nos choix. C'est en paix avec nous même et au sommet de notre humble gloire que nous faisons le pari de la continuité dans la mutation. Nous espérons que vous continuerez à lire nos chroniques jusqu'à septembre et que vous adhérerez à nos nouvelles envies et propositions.

Musicalement.

Chroniques Electroniques.

 

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