Sortie : juin 2012

Label : Ultimae

Genre : Ambient, Acid, Downtempo

Note : 8/10

Ce n'est pas la première fois que le scandinave Sync24 s'accorde une escapade en solo, jamais vraiment très loin de sa formation de prédilection : Carbon Based Lifeforms. Daniel Ringström (ou Segerstad, les paris sont ouverts) a en effet fait les beaux jours du label lyonnais Ultimae, avec son camarade Johannes Hedberg aux machines et l'apparition vocale régulière de Karin My Andersson. Après son Source de 2007, il a sorti le mois dernier Comfortable Void, ôde à une certaine acidité (TB-303 for life) et révélant une palette rythmique qui manque parfois à la certes magnifique harmonie linéaire de CBL.

Enveloppée dans un voile effervescent, la musique de Sync24 déploie sa narcotique répétition pour fondre sur sa proie sans prévenir, l'hypnotiser avant de la saillir. Comme un phasme Bacilus arrivé sur Terre par erreur. Les basses, angulaires et monolithiques, associées à ces baignades en contrées acides, définissent des fondements presque rétro-futuristes et sont aptes à sortir l'auditeur de son errance comateuse. Ce qu'il y a de plus frappant, et c'est assez récurrent sur les releases Ultimae, c'est cet art de planter des décors oniriques en début d'oeuvre, aux confins d'un psychédélisme sage et d'un soundscaping prononcé,  pour mieux préparer l'initiative midtempo à venir. C'est sûrement aussi pour ça, que les amateurs de techno mentale apprécient les releases du label, avant tout par cette troublante habileté à raconter des histoires sans fin réelle. 

Mais Comfortable Void est aussi un album qui ravira les fans de la première heure de CBL, surtout dans son premier tiers et cette si particulière utilisation des synthés immortels (mais chatoyants), quand le ciel et la terre se toise tout en respectant la symétrie qui leur incombe, avant de tout redéfinir, flouter la vision et brouiller les lois de la gravitation. C'est presque curieux d'y trouver Dance Of Droids à cet emplacement. Les robots ont eux aussi, droit à leur marche des fiertés, en terre aride où ils sont probablement persécutés pour leur moeurs inversés. Le titre suivant, dont le code enfantin est aisément déchiffrable, se révélera comme un symbole ambient dans la plus pure tradition des scandinaves, comme quand les vagues viennent s'abattre sur d'électriques épaves. Avec Nanites et Sequor, c'est probablement le titre le plus riche, avant tout parce qu'ils interviennent en charnière, en éléments perturbateurs. Les gaz et les guitares traitées (on dirait pour le dernier cité, en moins indalouse, celle de Hol Baumann sur Radio Bombay) créent les ondulations du futur bouleversement. Un peu plus loin, les kicks et les basses faussement apaisées, affûtent un peu plus loin leurs appétits de canidés.

Vient alors l'heure des tubes potentiels (nouvel avertissement dans l'oreillette pour inviter à la nuance) qui font lever les bras au ciel pour implorer la pluie, et s'humecter les labiales avant de succomber à la danse toute la nuit. Pas forcément à l'orée de l'excellent Something Something (qui ressemble beaucoup, dans l'utilisation d'un certain clavier, au meilleur d'Anklebiter) mais définitivement à l'invitation du capturé en live Wave et de l'ascensionnel Oomph, que j'aurais bien aimé me prendre en pleine gueule lors de la Nuit Hypnotique l'année dernière à la Filature de Mulhouse. Il fallait bien un titre ambient, nébuleux et contemplatif digne de ce nom pour amorcer le de-crescendo. Celui qui porte le titre un peu facile de There Is No Spoon érigera une fin à la taille de l'album, onctueuse et pénétrante malgré son léger côté 80's (les synthés, encore et toujours).

Après le radicalement dancefloor et déstabilisant album uptempo de Solar Fields, Ultimae, en la personne de Sync24, ravive la flamme d'un ambient psyché un peu trop discret cette année. Un très bon album donc, qu'il convient sans peine de recommander.

par Ed Loxapac

Sortie : Juillet 2012

Label : Dial

Genre : House, électronica

Note : 8,5/10

Je commençais à sérieusement m’inquiéter de n’avoir aucune nouvelle de John Roberts depuis plus de 2 ans. Alors oui, depuis la sortie de l’extraordinaire (et c’est un euphémisme) Glass Eights en 2010 (chronique ici), John n’a pourtant pas été invisible puisqu’il a tourné à peu près partout. Mais le fait de pouvoir vivre un live de l’éphèbe américain ne suffit pas à combler le manque. C’est d’une nouvelle création dont j’avais besoin. Et le gars a beau promettre un nouvel album prochainement, il faut bien nourrir la plèbe. Voilà enfin un EP à se mettre sous les crocs, Paper Frames, sortant inéluctablement chez Dial.

Le plaisir n’est pas intact, il est sublimé. A ce niveau-là de préciosité et de finesse, je veux bien attendre encore 2 ans avant le prochain exercice. Paper Frames est une parenthèse poétique d’une complexité folle, réussissant à développer 10000 idées en 15 minutes.

Se composant de 4 titres pour 2 morceaux véritables, Paper Frames doit se manipuler avec attention. John Roberts semble avoir exclu sa deep-house immédiatement assimilable pour se concentrer désormais sur des constructions beaucoup plus denses mais surtout fragiles. Ainsi, le morceau éponyme est une troublante ballade électronica où le moindre son semble être le fruit d’une longue recherche esthétique, et dont l’ensemble donne l’impression de pouvoir s’écrouler à n’importe quel moment. On n’a pas seulement la sensation d’entendre un simple morceau de musique, mais plutôt de vivre une expérience auditive de 5 minutes. Cette électronica luxuriante, lorgnant par fines touches avec une IDM suave, referme un monde propice aux rêves. Toute vision fantasmagorique semble être la bienvenue. A chacun de tisser sa propre histoire. L’autre morceau, Crushing Shells, révèle une house mutine à la rythmique frondeuse, vous laissant ainsi vous prendre les pieds dans le tapis. Là encore, la luxuriance est de mise, mais avec un aspect émotif davantage mis en avant.

On ne l’attendait plus et c’est sans coup férir que John Roberts vient nous réveiller. En redéfinissant totalement sa musique, il dévoile un nouvel aspect de son monde, davantage ouvert aux expérimentations poétiques. Prend ton temps mec, parce que si l’album à venir est de ce niveau, autant dire qu’on va atteindre des sommets.

par B2B

Sortie : mai 2012

Label : Hibernate

Genre : Flûte, Drone, Experimental

Note : 8/10

Flûtiste de formation, la forcément britannique Katie English est membre du groupe The Owl Service et s'occupe de son propre label : FBox Records. Elle est par ailleurs plus connue pour son projet expérimental et ambient Isnaj Dui, déjà apparu sur Home Normal, Smallfish et Rural Colours, filiale de Hibernate sur lequel est sorti Abstracts On Solitude il y a quelques semaines. Sa flûte basse étant un instrument propice aux concerts, précisons qu'elle a partagé la scène avec des gens aussi recommandables que Simon Scott, Nils Frahm, Konntinent ou Library Tapes. De quoi imager un peu le propos, et tout le sérieux de la lady.

Abstracts On Solitude est une oeuvre opaque, mystérieuse et pénétrante. Bien que définitivement accessible au commun des mortels, c'est probablement l'album le plus étrange que j'ai pu écouté cette année. Plus de par son caractère ambivalent et presque mystique à certains moments, que par sa conception proprement dite. Car même si Isnaj Dui dépeint des aurores bancales et fragiles, les contours principaux de Abstracts On Solitude peuvent se réclamer d'une certaine majesté. Surtout quand les notes les plus graves de l'imposante flûte se noient dans celles du dulcimer (cithare celtique) pour créer un drone onctueux, à la manière d'un baume curatif (Edit, Nature of Light et le magnifiqueThe Last Will Become A Darker Grey). Il y a même de fugaces instants ou les rayons du spectre du jour semblent faire reculer les masses menaçantes potentiellement pluvieuses vers des versants plus lointains et asséchés. Le protocole a même des allures solennelles, au delà du ravissement et des charmes plus immédiats.

Malgré ça, l'album héberge en son coeur des aspects plus tortueux et angoissés, qu'on pourrait même qualifiés d'hypocondriaques. Pas seulement parce que le splendide et très morcelé What Lies Inside fut composé suite à une importante crise de panique. Ce sera bien plus subtilement illustré quand un improbable glitch et des électrons libres se ruent sur la composition classique, pour déchiffrer ses lignes de vie, dans un ballet plus "écho" que "choré"graphique. Ou quand Peripheral Motion et sa simple encordée inquisitrice, laisse échapper sur cette si particulière paix cynique des pets sismiques, qui raviront ceux qui érigent le pessimisme en art de vivre. Ce jeu autour de la dissonance et de l'imprévu a quelque chose d'assez admirable, presque autant que l'art diluvien de la réverb' sur Quarter Wave.

Célébrer l'angoisse pour mieux en préparer le contre, ou l'inverse. C'est probablement ce conflit de sentiments, et ces impressions d'oppression malgré la volupté apparente, qui font de Abstracts On Solitude une oeuvre aussi personnelle qu'attachante, abrasive dans son absence de vraies réponses aux fausses questions. Hibernate a encore frappé un grand coup. Nous reparlerons très vite de Isnaj Dui cette année. Puisqu'il y a fort à parier que les quelques exemplaires restants s'épuiseront très vite.

par Ed Loxapac

Sortie : juin 2012

Label : Touch

Genre : Sound Design radical, Ambient isolationniste

Note : 8/10

Thomas Köner est un pionnier du multimédia trop rarement cité. L'allemand n'est pas loin des cinquante piges et compte onze albums à son actif, avec celui présenté aujourd'hui. Ingénieur du son de formation, il a rapidement trouvé surfait le simple travail autour des aspects mélodiques, pour se concentrer sur la couleur et le grain du son. Son approche sonique assez radicale lui a valu la reconnaissance de ses illustres pairs depuis belle lurette. Il a énormément travaillé pour le cinéma et s'est illustré avec ses installations sonores bien poussées, en lien avec des évènements très contemporains. Il a parcouru les couloirs du Musée d'Orsay, du Louvre et du Centre Georges Pompidou. Pour ce qui est de sa discographie, disons qu'il a connu les grandes heures de Mille Plateaux, même si ses oeuvres les plus mythiques (et presque introuvables) sont ses quatre premières, parue sur le mythique et néerlandais label Barooni entre 1990 et 1995. Si le préambule ici déroulé ne vous a pas encore convaincu de tout le sérieux du bonhomme, précisons seulement maintenant qu'il est la moitié de Porter Ricks, duo techno tout simplement génial et légendaire. Après un flirt avorté avec Glacial Movements, Novaya Zemlya est sorti le mois dernier sur le label Touch, référence expérimentale si il en est.

Bon c'est quoi ça Novaya Zemlya, hormi le point le plus oriental d'Europe, une île entre la Russie et la Norvège qui compte un peu plus de 2000 habitants, et le terrain de chasse idéal pour ceux dont le kiff ultime est de courir nu derrière des rennes et des ours polaires ? L'île, composée de deux parties distinctes de par leur relief et leur climat un peu différent, est habitée par deux spécificités pour le moins surprenantes. Tout d'abord parce que c'est le lieu où le mirage polaire atmosphérique fut pour la première fois observé. Ce qui veut dire en "un tout petit peu plus clair", que l'atmosphère y agit comme un guide d'ondes, et qu'une partie de la lumière émise par le soleil se propage selon une trajectoire inhabituelle et peut être observée sur le côté où la Terre est plongée dans l'obscurité. C'est fascinant n'est-ce pas ? Merci donc à Wikipédia.

Mais la Novaya Zemlya fut aussi un haut lieu des expérimentations militaires russes pendant la guerre froide. C'est aussi là que s'est produite l'explosion de l'AN602 en 1961, bombe à hydrogène et plus dévastatrice arme nucléaire jamais testée. Il doit y avoir un léger petit goût de plutonium dans les cours d'eaux. Cette petite leçon d'histoire vous aura peut-être ennuyée, mais elle pourrait à elle seule faire office de chronique, tant l'album dont il est question est habité par l'histoire, le climat, le relief et les mésaventures de l'île.

Ce qu'il y a de plus troublant, c'est que malgré son probable refus musical (tout est relatif) le son jusqu'auboutiste de Thomas Köner n'est pas dépourvu d'un certain reliquat mélodique. Quelle est la part de field recordings ? Thomas Köner s'est-il rendu sur place ? Mystère, et c'est sans doute mieux comme ça. Car l'auditeur est lui transporté, vers ce nouvel archipel où la perception semble modifiée. L'allemand décrit lui même son oeuvre comme un passeport vers la géographie métaphysique. Ne cherchez pas de drums, il n'y en a pas. On peut néanmoins soupçonner qu'il se soit concentré sur la partie la plus glaciaire de l'île, tant on semble entendre, sur la première pièce de la trilogie, la scission des blocs de glace et la déshydratation opérée par les vents sur les fragments qui demeurent. Tellement que la deuxième partie est presque entièrement conçu de ce souffle chaud propice à la désertification, et de ces graves abyssales qui semblent venir d'en dessous et prêtes à dégommer du subwoofer. Faudrait quand même pas oublier que les nappes phréatiques contiennent un peu de plutonium, même si la paix et un côté chill relatif emplissent les atmosphères de fonte et de renaissance qui suivent les climats blafards et inquisiteurs de la troisième partie.

C'est toujours difficile de décrire du son contemplatif et subjectif de ce niveau, sans sombrer dans le lyrisme au jus de minou façon Marc Levy que certains de nos concurrents et amis adorent tant. D'autant plus quand l'introduction faite dans le livret associé par Thierry Charollais, est apte à filer des complexes à n'importe quel chroniqueur en herbe. Cette musique épidermique se doit d'être ressentie plutôt que décrite, à un volume à s'en assommer, avec un matériel de très haut niveau. C'est dommage parce que ce détail (conséquent) rendrait presque l'oeuvre élitiste. Pas en son coeur, mais plus parce que le commun des mortels n'a pas toujours accès à un matos digne de ce nom pour s'immerger dans sa passion. Le casque est encore plus recommandé, si celui qui le porte a la bonne idée de couvrir la moindre source de lumière qui l'entoure. Une oeuvre radicale réservée à un public averti, mais plus que recommandée. Ne cherchez pas de titre dans le player, ça n'a ici aucun sens et vous seriez capables de vous dégoûter à vie du mp3. Peut-être en faudrait-il un dans ce cas.

par Ed Loxapac

Sortie : juin 2012

Label : Lost Tribe Sound

Genre : Instrumental (puisqu'il faut en donner un)

Note : 9/10

Vieo Abiungo est le side project d'un ange blond virtuose, épouvantail à demoiselle potentiel, que certains connaissent peut-être mieux sous son nom véritable : William Ryan Fritch. Ce diplômé en musicologie est un poly-instrumentiste insatiable, violoniste en particulier, membre du Skyrider Band cher à l'acclamé Sole de chez Anticon. Thunder May Have Ruined The Moment est son troisiéme opus, toujours signé chez Lost Tribe Sound, étrange et méconnu label américain qui vend aussi (en plus des disques) des bijoux et amulettes étranges qui raviront les hippies qui sommeillent. Si Peter Monro est crédité, c'est uniquement pour ses contributions de vidéaste pour le DVD qui accompagne l'objet déjà splendide.

Quand un tel album déchaînant tant de superlatifs voit le jour, on rêve de pouvoir lui coller un étiquetage nouveau et avant-gardiste, qui fera date et sera suivi par tous ceux qui y poseront de vierges oreilles. Peine perdue, la musique de Vieo Abiungo ne ressemble qu'à elle-même, suivant les même contours instrumentaux inqualifiables depuis deux ans. Ceux qui auront écouté les précédents opus regretteront peut-être une presque totale absence de renouveau dans la composition. Les innocents méritent pourtant d'être pardonnés, car l'oeuvre du jeune américain est une véritable fresque, finalement plus naturaliste qu'ethnologique, gravée dans une pierre confidentielle qui n'attend même pas d'être comprise et analysée pour être qualifiée littéralement de géniale. Si la formation classique de son auteur est indéniable, on sent rapidement que William Ryan Fritch a été bercé la gueule dans le bon son. Dans la musique classique bien sûr, mais aussi au son d'un jazz libre, déviant et tribal. Un biberonnage en règle au hip-hop des sources est aussi plus que probable. Il n'y a qu'à se soumettre à la manière dont il fait claquer les drums du splendide et exotique Thundering of Empty Promise pour en être le béat témoin. Son art de faire cohabiter d'ambivalentes sensations, dans cet agglomérant halo de lumière, relie des îles enfouies à d'entiers continents.

Car une telle musique pourrait avoir été imaginée par un guerrier déserteur ayant perdu le goût de la conquête, décidé à laisser son âme se promener entre l'Orient et l'Occident, pour ne jamais se soustraire à son inaltérable et viscérale foi en la terre, et en l'homme, d'où qu'il vienne. Toute référence à l'oeuvre d'Enrico Macias étant plus que fortuite, la plongée dans ses riches formats courts (particulièrement Bleed That Rock, The Milk of Venom) est plus que recommandée pour se confronter à la petite légende. La musique ici présentée est le reflet de tout un monde apte à apaiser les guerres, dépourvu de lésions dans la liaison.

Nomadisme, lumière, et incantations. Rafales, arrêts sur paysages. Constellations instrumentales. Piano, cordes. Instruments à vent et infinies percussions mêlés. Force est de dire qu’on ne saurait tout identifier, et peu importe, au fond. Ce sont des boucles qui carillonnent, des drones ethniques qui s’écoulent. On jurerait voir le passage de l’électronique là-dedans, mais il n’en est rien. Il y a là de la musique classique contemporaine, du jazz, des expérimentations. L’Orient, l’Afrique. Mais ce qu’on y trouve surtout, c’est une capacité singulière à pénétrer les marges des genres, à déplacer les bornes. D’où peut-être ce mystère aride qui se dégage de Thunder May Have Ruined The Moment, et auquel on voudrait ne pas trop toucher. Afin de ne vraiment plus en revenir.

Il y a quelque chose d’ensorcelant dans cet album. Une liberté hypnotique. Un élan épique qui ouvre des territoires, au centre, de plus en plus vastes. Une lumière qui dénude, et des lucarnes sur soi-même. C’est Thundering of Empty Promise et ses résonances cristallines, ses chœurs diaphanes, ses impulsions cicatrisantes et ses cordes à fleur de nerf. With its Slow Decay et ses ramifications tribales qui forcent à avancer toujours plus en avant, toujours plus en profondeur. Tandis qu’à l’intérieur, tout n’est qu’éboulement. La masse calcaire qui brouillait la vue s’effondre. Reste sous la langue un goût de terre, de feu, et d’eau. Une pulsation de renouveau.

Car là où d’autres auraient pu en rester à la simple cohabitation des influences, voire à frôler le pot-pourri indigeste, William Ryan Fritch parvient à creuser un territoire vierge et mélodieux de ses doigts à la virtuosité chamanique. Evitant de diluer le ressenti dans la profusion, invoquant également la retenue, il fait d’une richesse sans fond une cristallisation de l’essentiel. Et c’est bien là toute la force de cet album. Un vent de limpidité et d’harmonie souffle sur le foisonnement qui fait corps avec les émotions. Avec tout ce que ces dernières comportent de bifurcations, de fluctuations, d’incandescence et de pudeur. La menace, la peur, la frustration, aussi. Et ce qui consume. Thunder May Have Ruined The Moment réussit à nouer tous ses fils sonores en un unique nœud d’essence. Pour, au final, absorber pour apaiser.

Difficile de trouver une quelconque rupture dans ce disque, où la finalité du mouvement remplace les lignes directrices. La plante des pieds écorchée par le sol, on avance, parfois lentement, mais sans trébucher, porté par une acuité nouvelle. Avec cet album, Vieo Abiungo déploie une topographie de l’intime, là où totalité et évidence viennent se plier dans une même expiration.

Ce n'était arrivé qu'une fois. Acheter les yeux fermés un album déjà reçu dans sa froide et impersonnelle version promotionnelle. Car dans cette musique définitivement plurielle semble presque surgir un corps multiple et tentaculaire, qui pratique une dialectique qu'on découvre aujourd'hui mais qu'on semble connaître depuis toujours. Comme si tous ses organes étrangers jusqu'alors n'avaient qu'une seule et unique vocation : s'unir et fusionner pour procurer le trouble de l'insoupçonnable révélation. Face à pareille évidence, l'insolence laisse acerbe, le silence est une violence qui évoque bien plus que le verbe. Merci à la future chroniqueuse de notre nouveau projet à venir, pour sa brillante contribution.

par Ed Loxapac et Aurélie Scouarnec