Sortie : septembre 2011

Label : Hymen Records

Genre : Dubstep viril

Note : 8/10

Est-il encore possible que les lecteurs de nos lignes ne sachent pas qui est Hecq ? Baptisé Ben Lukas Boysen par ses glorieux géniteurs, il est probablement l'artiste électronique le plus talentueux et le plus génial depuis la retraite anticipée d'un certain Aphex Twin. Des albums tels que Scatterheart ou Night Falls doivent aujourd'hui encore figurer dans toute discothèque électronique intelligente qui se respecte. Il demeure fidéle à Hymen depuis ses débuts, même si sa proximité avec le dirigeant d'Ad Noiseam l'a logiquement poussé à y sortir ses premiers essais dubstep. On se souvient forcément de Sura, qui attribua couilles et pilosité fournie à un genre qui en manque cruellement. Ce monsieur sait diversifier ses activités, j'ai entendu dire que lui aussi (encore un) était architecte de formation. Sa probable passion pour les édifices l'a logiquement conduit à s'intéresser au sound design. Il a donc bâti les enrobages sonores de pléthore de publicités et de courts métrages. La récente intégration de Sura à la B.O du nouveau Assassin's Creed va probablement le propulser vers d'autres sphères. On entendra bientôt dans certains cercles (qu'il n'est pas nécessaire de désigner ici) des conversations comme celle-ci : "Tu connais Hecq mec ? C'est dubstep et c'est nouveau". On préférera nier d'un hochement de la tête et sourire, à la manière des derniers aigris, solitaires et magnifiques.

Il y a quelque part à la pointe du menton un point d'acupuncture que la corporation des gladiateurs du noble art connaît bien. L'uppercut est l'arme la plus adaptée pour approcher cette infime surface et jeter son adversaire au tapis en un instant, lui offrant une sorte de déflagration cérébrale qui lui conférera par la suite béatitude puis inconscience. Voilà ce que propose Hecq avec Avenger. En maître incontestable des cuts, il fait convulser le beat comme un boxeur sonné, ordonnant à l'auditeur de garder une certaine distance de sécurité pour ne pas se heurter à ses basses vicieuses et ondulées. Le combattant revêt son masque et prend des allures de héros, anonyme mais épique. Refusant de se réfugier sur ses seuls muscles saillants et affûtés, il use d'une technique implacable, presque irrespectueuse vis à vis de concurrents pourtant aguerris. Pour être plus concret, Hecq terrasse le dubstep en refusant d'incarner les poncifs. Définitivement épique, on peut même trouver une certaine mystique sur certains titres, semblables aux cérémoniels qui précèdent certains combats en Amérique du Sud. Tourne toi vers ton créateur avant de pourfendre ton ennemi ou de succomber sous ses coups. Voilà ce que semblent dire certaines voix et certains claviers profonds, entendables sur le costaud With Angels ou le plus atmosphérique Reprise. Ce n'est probablement pas des voix d'anges qui apparaissent sur l'interlude scarymooviesque Lynn And Nicolas Call. Même trafiquées, on peut supposer que ce sont celles de Nicolas Chevreux et d'Enduser. Voilà pour ma petite spéculation anecdotique, qui apportera au moins autant à l'oeuvre que les remixes qui ferment l'opus. Si je faisais une petite pause dans mes diatribes anti-remixes, je dirais que ceux de Architect, Trifonic ou Deadfader sortent un peu de l'ornière de la convention. L'érudit (ou l'aigri chiant et puriste) préfèrera les coups de butoirs agrémentés de réacteurs d'avions hurlant et de voix hybrides haranguant l'auditeur vers le ring d'un dancefloor définitivement musclé. Si Pulverized, Shutter et Nihilum, de par leurs vertus anihilantes, ont ma préférence, d'autres auront également du plaisir à retrouver Matta sur une Suture bien cousue.

Quand un maître de l'IDM et du sound design fait du dubstep, ça a tout de suite une autre gueule. Voilà qui ne me fera pas changer d'avis à propos de ce genre surestimé et plus que soluble sur la durée. Hecq est un génie et ça, ça ne souffre d'aucune contestation possible. Il est encore temps de se jeter sur toute sa discographie. C'est un investissement dans la pierre de taille. Sinon, quitte à écouter du dubstep, autant que ce soit du Hecq.

PS : Ceux qui souhaiteraient acquérir la version limitée se verront offerts un masque de catcheur. De quoi faire le beau sur le dancefloor...

par Ed Loxapac

Sortie : Août 2011

Label : Leaving Records

Genre : Néo-classique, expérimental, électro-acoustique

Note : 7/10

Jusqu’à maintenant, on était habitué aux escapades électronica-psyché de Leaving Records. Matthewdavid, le big boss, a réussi à créer une véritable identité sonore autour de son label. Vous nous avez maintes et maintes fois entendu parler de cette fameuse scène de Los Angeles. Entre les sorties Brainfeeder et toute la clique végétant autour de Matthewdavid, il y a eu l’éclosion d’artistes potentiellement fascinant. Maintenant que le soufflé est en train de lentement retomber suite à l’arrivée des inévitables vautours, il est temps de se renouveler. Et justement, c’est par l’entremise de l’énigmatique Julia Holter que l’on va peut-être trouver matière à prolonger nos songes.

Julia Holter est une illustre inconnue issue de Los Angeles et Tragedy est son premier album. Bon, inutile de vous précipiter sur ce dernier, il est déjà épuisé. En même temps, le principe de Leaving Records c’est de vendre ses albums en petit quantité afin de susciter la convoitise. Le fait de ne vendre les albums qu’en format cassette ne peut que titiller les hipsters. Pas de bol pour eux, ce coup-ci l’album fut vendu uniquement en format vinyle, format de prédilection des hypeux de l’ancienne école. Mais bon, les velléités marketing, après tout, on s’en branle.

La musique de Julia Holter est un sombre bordel. Dès l’intro en forme de collage surréaliste, on comprend qu’on n’aura pas affaire à un énième album d’électronica lo-fi contemplatif, labellisé LA. Ce coup-ci, c’est l’ouverture vers tout un pan de l’électro-acoustique qui s’immisce dans nos conduits auditifs. Tragedy repose sur une utilisation permanente du field-recording mais uniquement dans le but de nous semer. Les sons s’enchaînent sans jamais faire sens, on ne comprend pas où veut en venir Julia et c’est justement cela qui est intéressant. Ainsi, Celebration, morceau phare de l’album, n’hésite pas à débuter par 4 minutes d’électro-acoustique hasardeuse avant de lâcher un beat tranquille et de faire lentement monter la pression. La voix aiguë de Julia, qui parle plus qu’elle ne chante, nous accompagne alors dans cette étrange déambulation.

Même si l’électro-acoustique demeure ainsi que l’idée de composition néo-classique, chaque morceau déploie de nouvelles idées. Try To Make Yourself A Work Of Art convoque la magie noire en faisant penser à Demdike Stare, The Falling Age lorgne du côté d’une dark-ambient fantômatique aux faux airs de BO de Badalamenti, Goddess Eyes utilise le vocoder pour une comptine titubante. Mieux vaut se laisser porter plutôt que de vouloir chercher une réponse. Il n’est pas question de juger de la qualité des compositions mais plutôt de se limiter au ressenti.

Tragedy est un ovni musical. On fait face à un objet hybride. S’agit-il réellement de musique ? Pas sûr. L’essentiel est de se concentrer sur soi, sur sa capacité à interagir avec les sons. Julia Holter a indéniablement quelque chose à raconter, il nous reste plus qu’à apprendre son langage. Cette nouvelle signature californienne nous ouvre à nouveau les portes de la perception.

par B2B

Sortie : août 2011

Label : Alphapup

Genre : Glitch-Hop

Note : 5/10

L'année dernière, le projet de Chris Alfaro se révélait comme une des meilleures surprise de 2010. Membre éminent de ce qu'il convient aujourd'hui d'appeler "la scène abstraite californienne", Free The Robots a fait le bonheur de ceux qui ont eu la chance de le voir s'exécuter en live, comme lors des désormais reconnues soirées Low End Theory. Influencé aussi bien par le jazz que par des racines plus psychédéliques, Ctrl Alt Delete (chroniqué ici) a donc posé des bases qui laissent augurer de très belles promesses. Ce Ep arrive donc à point pour se faire une idée sur les capacités de l'américain à oeuvrer dans la durée.

Même si il est difficile de se faire une avis clair avec si peu de matière, il convient tout de même de constater que la musique de Free The Robots connaît la même stagnation que le genre hybride dans lequel il officie. Ce nouveau genre, qualifié de hip-hop de geeks par certains observateurs, avait à l'époque suscité un engouement à la hauteur des limites qu'il étale aujourd'hui. Dommage, mais malgré tout classique. Mais revenons malgré tout à l'objet du jour, au lieu de spéculer sur ce qui se tramerait en coulisses. Si le choix des drums est toujours du meilleur goût, l'ensemble vient parfois se parer de turbines ronflantes aisées et néfastes (The Free) ou d'excès 8-bits définitivement obsolètes même à l'ère du vintage revival (The Mind's Eye). Alors heureusement que Prototype B vient quelque peu renouer avec l'émulation d'hier, surtout dans sa capacité à superposer des strates improbables pourtant diablement complémentaires. Il faut parfois avoir le courage et l'intelligence de demeurer downtempo. Beau titre. Tout comme sur la funèbre, burlesque et pourtant entraînante Dance Of The Deadbeat. Voilà ce qu'on est en droit d'attendre de Free The Robots. Même si tout cela ne contient rien de vraiment nouveau. On a même parfois l'impression d'écouter du bon, mais trop vieux son Ninja Tune. Rattlesnake contient aussi de bonnes choses, mais les percussions plus naturelles sont desservies par leurs accords avec des écorchures digitales bien trop convenues pour être vraiment honnêtes. Dommage.

Il faut dire que ce genre de formats courts a souvent pour vocation de simplement mesurer les réactions avant la sortie d'un long format plus abouti. Espérons le, car ces titres bien trop courts laissent entrevoir une déception potentielle bien plus large. Free The Robots semble vouloir prendre le risque de ne rien renouveler en espérant faire aussi bien. Pas très couillu, mais à l'image du genre et de son fer de lance : un certain Flying Lotus. Attendons donc la sortie d'un vrai album pour crier à l'arnaque ou pour faire un de nos trop rares mea culpa.

par Ed Loxapac

Sortie : juillet 2011

Label : Tympanik Audio

Genre : IDM industrielle et technoïde

Note : 8,5/10

Le duo Ex_Tension représente, avec Normotone (interview et chronique ici et là), une frange toute particulière de l'électro-indus française, celle made in Strasbourg et propulsée sur le label chicagoan Tympanik. Vincent Gendrot aka Vxt et Pierre-Yves Hohmann aka Py composent ensemble depuis 1997. Après un premier EP, Needles, Ex_Tension réalise Desert en 2005, EP autoproduit qui se voit aujourd'hui complété et remasterisé. Entre temps le duo est loin d'avoir chômé. Outre de multiples apparitions sur des compiles du genre, deux albums, Legacy et Freedom sont respectivement sortis sur M-Tronic et Signifier – mais n'ont à tort trouvé aucun échos dans nos pages. Six ans après, Desert s'enrichit de 2 titres inédits et d'un remix à cinq mains, composé par Access To Arasaka, Totakeke, Geomatic, Zentrert Ins Antlitz et Sonic Area.

Assister à un live d'Ex_Tension est une expérience qui présente des similitudes avec la sensation de se faire ravaler le faciès par les palles d'un hélicoptère - il suffit d'ailleurs d'écouter Journey pour le sentir venir, l'hélico. A l'occasion de l'exceptionnelle Fête de la Musique Electro-Industrielle, en juin dernier à Paris, le duo avait livré une performance démente, sans répit, suintant la sueur et la corrosion, et avait entrainé le public dans des danses hallucinées. Sur disque, cette même tension moite et hypnotique est à l'oeuvre. Desert trempe dans un bain technoïde et tribal, d'où émergent des flaques d'ambient noir, et des raclements et éructations de turbines en surchauffe. Le plus frappant chez Ex_Tension réside dans le caractère hypnotique, presque hallucinatoire des rythmiques. Les boucles cavalent à des vitesses folles. Les montées n'en finissent plus. Il vient certainement le moment de préciser que Desert, long d'1h12, est composé d'un titre éponyme, de 32 minutes, de trois tracks « normaux », et du fameux remix, de 23 minutes. L'infinitude et la dimension haletante décrites plus haut en sont peut-être davantage explicables. Cet album recèle des capacités d'absorption irrépressibles. N'essayez pas d'aller d'un point à un autre, au moyen de transports on ne peut plus communs, avec du Ex_Tension dans le casque. C'est un coup à se retrouver perdu, angoissé, presque incapable de lire un plan de métro. Desert mène dans des souffleries au bord de l'implosion. Les sonorités ont perdu toute consonance humaine pour psalmodier la gloire des machines et du monde digital, que seules d'éparses nappes lyriques nuancent et illuminent parfois.

Il faudrait presque être culotté pour prétendre à la description de Desert, chef d'oeuvre vicieux long d'une demi-heure. Parlons cependant d'une introduction grêlée et inquiétante, mue par une respiration mécanique, et de l'arrivée martiale des drums, tambours épiques sonnant une macabre promesse de fin des temps, sur fond de gargouilles qu'ont égorge. Jusqu'à la moitié, Desert mute en course sublime, mur sonore idéal à l'expression d'une apocalypse en territoire précolombien. Les sonorités tribales se dressent, des nappes claires embrasent le ciel et l'intensité est portée à son comble. Je n'irai pas plus loin. Des trois titres intermédiaires, ma préférence va à Tension 6. Encore une fois Ex_Tension use de ces beats cycliques et circulaires, cinglant la mélodie de coups de serpe. Contrastant avec le pouls métallique du rythme, s'apparentant à un râle, la trame onirique de ce morceau-ci est à tomber raide de beauté et de divine ambivalence. Quant au remix de Desert, according to les cinq pré-cités, disons que, sans avoir la fantastique progression et la cohérence de l'original, il en résulte quelque chose d'assez passionnant malgré tout. Evoquons simplement l'ouverture d'Access To Arasaka (dont une interview paraitra très prochainement), qui opte pour un fond mélodique translucide et délicat, fait de doux carillons détonnant avec la complexité du part-terre rythmique.

Desert est un disque époustouflant, métallique et noir comme la crasse. Le pouvoir qu'il a sur l'auditeur impose le plus grand respect et les fusions de drums sauvages et de lueurs miroitantes ont de quoi rendre fou. Les chanceux strasbourgeois pourront assister samedi prochain, à la release party des albums d'Ex_Tension et de Normotone. Comme pour Desert, ceux qui y passeront s'en souviendront.

par Manolito

Sortie : septembre 2011

Label : Laybell

Genre : jeu de samples siphonné

Note : 7/10

Extra Pekoe est le producteur de Two Left Ears, groupe français qui a sorti l'excellent Lazy Trace (chroniqué ici) et participé avec brio à notre seconde compilation, Beat Abstraction (toujours en téléchargement libre ici). Pour s'essayer en solo, Mathieu Adamski sort un premier maxi, six titres qui ressemblent à un grand collage de samples qu'il bidouille pour un résultat assez expérimental.

Cet EP pourrait faire penser de loin à de l'électronica ou un genre de glitch hop à la pointe de la déstructuration, mais se serait réducteur. C'est assez loin de références stylistiques qu'Extra Pekoe cherche sa voie. D'enregistrements d'ambiance de bar, à des assemblages brinquebalants de samples en passant par quelques mélodies électroniques, il semble piocher de tous cotés pour créer des pistes à l'équilibre précaire tant l'empilement est dense et hors format. China Interstellar Program est le symbole de ces attelages atypiques de sonorités bancales et de boucles bricolées qui servent à construire une musique contemporaine surprenante. Il faut oublier ses modèles pour en intégrer un nouveau. Les titres semblent montés à l'envers, mais la mécanique fonctionne quand même. L'hybride créature produit un enchevêtrement sonore qui progresse malgré tout. La Belle Dilettante mélange ainsi voix, claquements, mélodie inversée, divers claquements, parasites, bleeps et de nombreux autres bouts de trucs pour aboutir à un résultat qui peut paraître tout autant le travail acharné et longuement réfléchi d'un étudiant en acoustique que la machine improbable sortie de l'esprit d'un garagiste passionné. Dans les deux cas, du temps a été passé les mains dans le moteur.

Les morceaux Praying Mantis On High Heels et Pretty Drunk, malgré l'impression générale de bordel qui persiste, ont une structure un peu moins atypique. Le langage électronique développé est plus facile à l'écoute tout en gardant les particularités d'entrelacement abondant de multiples sources. Ces deux passages donnent donc de l'assise au disque grâce à leur coté plus posé, même s'ils ne détonnent pas en comparaison aux autre titres. L'esprit est similaire, libre, complexe, soigneux et toujours à la recherche d'un petit espace libre pour caser une dernière pièce qui pourrait améliorer le refroidissement, le couple ou la reprise.

Ce maxi déconcertant demande quelques écoutes pour être vraiment pénétré tant son esprit est atypique, plus proche de la musique concrète que des genres électroniques actuels. Il se révèle ensuite, dense et passionnant.

par Tahiti Raph