Sortie : juin 2011

Label : ant-zen

Genre : Rythmic Noise, Tribal, Industrial

Note : 7,5/10

Comment ne pas se pencher sur This Morn' Omina, projet collectif qui affole en ce moment même les charts alternatifs allemands et d'Europe de l'est. Mika Goedrijk (l'auteur l'année dernière du très bon mais un peu old-school Looking Glass-World) avait pris les commandes du projet seul. On se souvient plus particulièrement de la trilogie Hegira. Puis, Nicolas Van Meirhaeghe (Empusae, Tzolk'in, Sal-Ocin, etc.) l'a rejoint à peu près à l'époque du ralliement à ant-zen. Si l'arrivée de Nicolas a permis à Goedrijk de se démarquer un peu d'influences telles que Klinik ou Muslimgauze, et de lui céder une partie rythmique non négligeable, la recette appliquée demeure la même depuis un petit moment. L'unification des forces opposantes vient clore la trilogie Nyan. Alors que l'on constate la présence d'un nouveau membre en la personne de Karolus Lerocq, il arrive qu'un certain Spike rejoigne le duo en live, pour assumer une partie batterie plus naturelle.

Je l'ai déjà dit plusieurs fois. Le rythmic noise a sur moi des effets laxatifs non négligeables. Plus sérieusement, disons que ce genre associé à l'indus souffre des même dérives kilométriques que l'ensemble des musiques répétitives. Mais voilà, ça plaît. Il n'y a qu'à se rendre ne serait-ce qu'une fois au Maschinenfest pour s'en rendre compte. Il est vrai qu'en live, cette musique peut générer des danses et des transes collectives mémorables. Mais passons, car cantonner This Morn' Omina à ce genre serait réducteur face au travail (même répétitif) accompli. Car voilà, les rythmes et les ambiances du duo fleurent bon la bête traquée. La proie c'est l'auditeur, transposé en plein coeur de cérémonies amérindiennes offrant des sacrifices humain aux Dieux, ou vers l'époque glorieuse et enfumée des rituels haschischins. Certes, Sal-Ocin avait déjà fait ce genre de trucs en compagnie de Flint Glass au sein de Tzolk'in, mais jamais avec une dimension rythmique aussi marquée. Ici, les boites à rythmes cohabitent avec des percussions variées et plus... "biologiques". Voilà, en caricaturant un peu toute la force de ce projet : cette puissante et physique cohabitation des différentes strates rythmiques. Ponctuées ça et là de samples horrifiants et tribaux, elles s'associent à des interventions vocales furtives mais frontales, annonçant la montée de la transe frénétique. On croirait même en l'intervention du vilain pas beau Ra du Stargate de 1994 sur Naphal. Même dans la répétition hypnotique, le trio manie les fausses pistes angoissantes avec un talent certain. Il se permet même d'intégrer des pistes plus downtempo qui ne perdent pourtant jamais rien de leur potentiel mystique (Oahspe, l'intro de Iboga, The Sixth Order, etc.) et parfois même des plages où les atmosphères suggérées prennent un ascendant mérité sur le diktat rytmique. Si l'ensemble peut être envisagé comme une expérience initiatique et psychédélique pour le soldat chevronné de l'indus, les oreilles plus tendres préféreront dissocier Tanasukh, Nevi'im, Trimurti/Trefoil ou le superbe enchaînement final entre Nigunnum et Tawhid d'un ensemble trop éreintant.

Le succès actuel de This Morn'Omina ne surprendra que ceux qui ne croyaient pas en un revival de l'indus auprés de la jeune génération qui n'a pas connu ses prophètes. N'étant pas fan de ce genre de sons à la base, si ce n'est les travaux de Tzolk'in, de Iszoloscope ou des présents This Morn'Omina, je ne crierais pas à l'indispensabilité du concept, mais recommanderais vivement aux curieux et courageux d'assister à leur prochaine représentation au Maschinenfest. Là, ça devrait prendre une dimension toute autre. A recommander malgré tout, aux inconditionnels du genre.

par Ed Loxapac

Sortie : juin 2011

Label : Soma Records

Genre : Techno-dub

Note : 7,5/10

Ça buzze très négativement autour du dernier DeepChord. Après avoir encensé à bon droit le céleste et glaçant The coldest Season, puis le terrestre et mondain Liumin (chroniqué ici), les magazines, blogs et autres canaux de la critique électronique n'en finissent plus de générer des controverses autour de ce Hash-Bar Loops. Qu’a-t-il donc bien pu se passer ?

Rod Modell est en passe de devenir une légende de l’électronique des années 2000. Pour en comprendre la raison, il faut remonter aux premiers travaux techno-dub du début des 90’s, dont Robert Hood fut l’un des pionniers, et qui plongent leurs racines dans l’originelle Detroit. C’est par rapport à ce terreau initial que se comprend l’émergence du mythique label Basic Channel de Moritz von Oswald, ainsi que ses subdivisions berlinoises, Chain Reaction ou Rhythm & Sound, qui façonnèrent un son nouveau, "deep & dub", acclamé hier et (surtout) aujourd’hui dans les cénacles intellectuels de la musique électronique.

Oui mais voilà, c’était sans compter avec Rod Modell. Sur le label DeepChord, où le duo du même nom avec Mike Schommer produisit une longue série de maxis de 1998 à 2006, ou bien l’entité Echospace avec Steven Hitchell (The Coldest Season en 2007, Liumin en 2010), mais aussi en solo (Incense & Black Light en 2007, magnifique), cet Américain originaire de Detroit a lancé une véritable révolution dub-tech. Depuis cette année fameuse année 2007, en réinventant le style Basic Channel de part en part, Rod Modell compose une œuvre appelée à demeurer, qui surclasse par son feeling et sa modernité le son des anciennes productions berlinoises (on peut d’ailleurs considérer le Moritz von Oswald Trio comme une tentative pour raccrocher cette fantastique échappée sonore). Liumin, beaucoup plus chaud et organique, intégrant un field-recording tokyoïte de toute beauté, installa définitivement le son DeepChord en institution neuve, faisant déjà des émules plus ou moins conscients de leur rattachement généalogique.

Mais avec Hash-Bar Loops où Modell officie seul, ceux des auditeurs qui auraient souhaité une évolution sonore vont être déçus : c’est presque d’une "involution" dont il s’agit. Ce son DeepChord si particulier, tout en ressac dub et en souffles continus, ces nappes aériennes de bruit blanc compressées, ces trous d’air sonores, ces lentes pulsations profondes, crépitantes et ouatées, bref toute la magie des premiers travaux de Rod Modell s’est étrangement aplanie. Hash-Bar Loops porte d’ailleurs assez mal son nom : quoique les loops et le bar soient aisément repérables, on se demande où donc est passé le hash d’Amsterdam auquel le disque prétend rendre hommage. Après deux premiers tracks très classiques (Spirits, Stars), dont la facture tout en réverb rappelle Incense & Black Light, le troisième titre Sofitel (sic) a de quoi laisser perplexe. La dub-tech géniale à laquelle nous étions habitués semble muter en un sound-design classieux, aux textures finalement peu expressives et sans relief. Impression confortée par le titre suivant, Merlot, excessivement travaillé avec ses allers-retours d’un kick enfumé nappé de volutes lounge.

Et ce sont ces mots qui restent malheureusement gravés dans l’esprit à l’écoute de ce disque : sound-design loungy. On y ressent l’atmosphère d’un travail mélancolique et chirurgical, très solitaire, conçu ou réalisé au fond de bars luxueux d’hôtels chics ; il y a plus de cosmopolitan et de caïpi’ que de hash sur ce disque. Comparé à Liumin, le field-recording s’y fait d’ailleurs extrêmement discret, en intro et outro de quelques compos. Même si certains titres sont si biens stylisés qu’ils parviennent à accrocher l’attention (Electromagnetic et ses collisions de bruits blancs en cascade, Black Cavendish et sa lente mise en tension sifflante et crépitante, le final Neon And Rain qui vous abandonne là, sous la pluie, en pleine ville la nuit, non loin du halo blafard d’un réverbère), le reste des morceaux de ce long LP lasse par tant de paresse sonore, quoique rien ne vienne réellement fâcher l’oreille (Tangier, Balm, City Center, Oude Kerk, Crimson). L’aisance de Rod Modell finit simplement par énerver devant sa facilité à produire des tracks léchés, sans fausse note, mais tout en évacuant soigneusement la moindre prise de risque – lui que nous pointions et pointons toujours comme révolutionnaire en électronique.

Révolutionnaire donc, Rod Modell semble avoir lui-même fomenté sa propre contre-révolution. Ce Hash-Bar Loops laisse déçu comme une période creuse de l’histoire. Cela étant, pas de quoi nécessairement sombrer dans le pessimisme, car toutes les légendes ont leurs ratés, qui font partie de ce que l’on aime encore, plus tard, plus loin, avec le recul. Mais là, ici et maintenant, c’est non.

par Pingouin Anonyme

Sortie : juin 2011

Label : Honest Jon’s Records

Genre : Glitch, drone, free-jazz, experimental

Note : 8/10

Chroniques Electroniques ne s’était jamais penché sur les travaux pourtant fort nombreux de Vladislav Delay. Une injustice qui devait être réparée tant son œuvre, vaste et éclectique, a inspiré et inspire encore de nombreux compositeurs. Mr Delay est reconnu et apprécié pour son travail précis, patient et parfois microscopique sur le grain des textures sonores, ainsi que pour son sens si particulier du glitch, explicable peut-être par sa formation de batteur/percussionniste, qui lui permet d’atteindre des micro-rythmiques remarquables au sein même des séquences glitchées. Quoique résidant sur une île perdue en Finlande, son univers résolument urbain, option morne et désenchanté, fait toute la saveur de ses prods.

Multipliant les entités (le housy Luomo, les plus techno Sistol ou Uusitalo), avec sa femme musicienne connue sous le pseudo AGF, ou encore auprès de Moritz von Oswald dans son fameux trio, notre homme ne nous présente pas moins ici un nouveau format : le Vladislav Delay Quartet, qui accouche de ce premier LP justement intitulé Debut. Il est accompagné par deux musiciens, activistes peu connus, Derek Shirley et Lucio Capece ; mais c’est surtout la présence de Mika Vainio, fondateur du tutélaire Pan Sonic (également auteur d’un prolifique travail solo et de fructueuses collaborations avec, par exemple, Fennesz ou Charlemagne Palestine), qui rend cette formation intéressante, en la distinguant notamment du Moritz von Oswald Trio ou de ses travaux en solo.

Dès le premier morceau (ou sa réplique de mi-parcours, Hohtokivi), on sent toute l’envergure d’une rencontre entre Delay et Vainio : un traitement furieux et rythmé de fréquences saturées finalement proche du drone, la spécialité maison de Pan Sonic, creuse soigneusement les tympans, et rassure immédiatement… ouf, ce disque ne sera pas, à l’image des dernières productions solo de Delay, un glitch minimaliste dont l’intellectualisme menace chaque seconde de prendre le pas sur la musique. Non que cette galette soit funky, mais il se passe avec ce disque full-mental des choses audibles pour le commun des mortels – et ça c’est une bonne nouvelle !

Difficile de qualifier le style musical d’ensemble de ce VDQ. Le meilleur adjectif serait peut-être free : free-glitch, free-jazz, free-drone, free-electronica, free-field recording… l’abstractionnisme est ici brandi comme étendard et canon esthétique. Deux des morceaux de bravoure du VDQ (Santa Teresa, Killing the Water Bed) déploient, structuré autour de quelques notes lancinantes de contrebasse, un magma sonore désenchanté, où des visions aliénées de macadam détrempé par les pluies prennent le crâne de l’auditeur comme en un étau finement ciselé. Ce ne sont pas les drones mutants de Des Abends ou Salt Flat qui chasseront les nuages opaques du dessus de la ville-monde décrite ici. Et que dire de ce magnifique Louhos, où des consonances indus embrasent un free-jazz glitché, ou un glitch jazzy on ne sait plus, dont les samples de saxophone liquide mixés à un travail de fréquences sur des larsens laissent pantois de courage musical, de maîtrise et d’inventivité.

Cette approche musicale en quartet de Vladislav Delay confère un souffle nouveau à ses recherches esthétiques. Aussi riche et travaillé, mais ô combien plus percutant que ses dernières réalisations, espérons que ce Debut du VDQ inaugure une nouvelle phase du travail de notre prolifique finlandais, une perspective inédite sur le traitement du glitch. Morne, oui, mais fabuleux !

par Pingouin Anonyme

Sortie : juin 2011

Label : Raster-Noton

Genre : Techno, Glitch, Ambient

Note : 9,5/10

Kangding Ray est un Français installé à Berlin. Cet architecte de formation s'est doucement mais sûrement rapproché des musiques électroniques, pour finalement s'installer durablement chez Raster-Noton. David Letellier (de son vrai nom) fait preuve d'un réel intérêt pour l'art contemporain, tant et tellement que sa musique s'en montre éclaboussée. Ses deux précédents opus avaient joui d'un certain bouche à oreille, jusqu'à l'acclamé Automne Fold en 2008. Ses travaux sont souvent moins minimalistes que ce qu'on peut trouver habituellement chez Raster-Noton. L'année dernière, son EP Pruitt Igoe annonçait déjà quelque chose d'énorme, dont il est question aujourd'hui.

Est-il nécessaire de citer des noms d'architectes pour prouver que ces derniers créent d'exceptionnels albums de musique électronique ? Les notions de structures et d'équilibres sont pour eux déjà un sacerdoce. L'informatique, les laptops et les softwares les ont aidés à réaliser leurs édifices sonores. Letellier lui, bénéficiait déjà d'une solide expérience de musicien rock et jazz avant de s'intéresser au matériel analogique. Son album Or, a quelque chose de diaboliquement révolutionnaire, invitant à l'alternative (or in english) et peut-être aussi à la dénonciation de ce matériau, de cette substance brillante représentant le capitalisme roi et la culture bling-bling. Mais peut-être est-il le témoin et la preuve de bien autre chose, l'idéal outil de célébration de l'apocalypse et de la chute de la culture club. Comme un certain Tim Hecker cette année, il renvoie à l'an de grâce 1972, où le complexe immobilier (l'amas de taudis) Pruitt Igoe, symbole d'un ségrégationnisme vicieux venait à rendre gorge et poussière. Il est donc bien question dans cet album d'alternative et de chute, de déclin, de démolition. Car la disparition laisse la plupart du temps place à autre chose. La destruction n'est donc ici pas purement pulsionnelle, mais intervenant avant tout comme force de proposition d'alternative.

La techno, même aux heures où elle a su se montrer brute et sombre, n'a jamais vraiment cesser de se rouler dans l'hédonisme. Et en résident berlinois, Kangding Ray a fait plus que l'observer, il l'a compris, décortiquée pour en livrer sa vision toute personnelle. Brutale, froide et implacable, puisant son héritage dans l'âge d'or de Detroit mais aussi dans les schémas de l'ambient et les anomalies digitales de la matrice. Ce type parvient à trouver des textures de glitch comme on a jamais entendu (Mojave). Ses kicks surpuissants et ses graves abyssales scindent en deux le sol, pour aspirer tout vestige organique de son passage (Odd Sympathy, Or (d'exception bordel !!!), Corracoid Process ou Leavalia Scheme). Quand Mirrors laisse s'élever une fumée opaque et acide accompagnée de drones menaçants, c'est en levée de rideau du néant apocalyptique, laissant la friche reprendre ses droits et prétendre à un repos mérité avant la construction des structures suivantes. Le terrifiant En Amaryllis Jour, échantillonne les textures et les nappes vaporeuses et profondes comme le mortel déchire une vulgaire feuille de papier. Tout ceci est juste exceptionnel. Si Monster laisse apparaître des voix féminines distordues, c'est avant tout pour mettre en avant ce discours terrible. Ces même voix se montrent tout au long de l'album, différemment et subtilement, et font sursauter l'auditeur apeuré et équipé d'un casque digne de ce nom, pensant que quelque chose venant de derrière vient pour l'aspirer à tout jamais. La fermeture sur La Belle évoque idéalement quelque chose de plus contemplatif, laissant l'écoutant béat et conquis par tant de larsens et d'écorchures, ne sachant expliquer s'il est frustré ou rassuré que cette tuerie absolue se termine.

Vous aurez compris que Or est une oeuvre exceptionnelle, maculée d'un sillon artistique aussi désarmant que passionnant. Fait rare en matière de techno actuelle, tout comme le fait d'éveiller celui qui l'écoute à l'abstraction et à la subjectivité. Or est juste une des plus belles oeuvres techno de ces dix dernières années. Excusez du peu. Voilà un must have absolu. Vous ne pourrez pas dire que vous n'étiez pas prévenus. Célébrons la chute du dancefloor en dansant mes bien chers frères.

par Ed Loxapac

Sortie : mai 2011

Label : Koma Records

Genre : Industrial, Dark Poetry

Note : 7,5/10

Il y a un peu moins de deux ans, nous avions déjà parlé du projet Elastik, emmené par le Francilien Thomas Prigent. Déjà à l'époque, son alliage entre sonorités industrielles chirurgicales et spoken word avait créé plus qu'une bonne surprise. C'est aussi l'occasion de reparler de la mystérieuse et captivante Horror 404, plus que jamais membre active du projet.

Commençons tout d'abord par dire que Critik est bien mieux produit que son prédécesseur. C'est pourri comme façon de commencer une chronique non ? Ok. Je vais la jouer autrement.

Critik est un reflet noir et dérangeant, celui d'une génération qui n'a pourtant connu aucune guerre ni réelle grande dépression. Mais cette génération est aussi celle qui a découvert la notion de tube de l'été, la candidature de Nicolas Hulot à la primaire écologiste, le Loft, le Goncourt de Houellebecq, Ed Banger Records, la fusion de l'ANPE avec l'Unedic, et la positive attitude. C'est aussi la génération à qui on vend des clopes et à qui on interdit de les fumer dans les lieux publics. Celle à qui on a mis une membrane de latex entre les sexes. Celle sur qui les labos pharmaceutiques font chaque jour un peu plus de profit en lui dealant légalement des benzos pour calmer son malaise. Mais certains de ses membres acceptent de vivre dans ce grand tout, dans cette matrice béante qui dicte à ses ouailles souriantes et pas toujours peroxydées comment bouffer, jouir et s'accoutumer de ce nouvel esclavage moderne. Ces innocents sont bénis car ils ne se posent pas de questions et acceptent le diktat schizophrénique. Seuls les conscients sont sujets au malaise, à la maladie mentale et à une salvatrice marginalisation. C'est avant tout ce que renvoie Critik, l'existence de ces témoins et victimes de ce malaise moral et physique. Celles et ceux qu'on traite de fous et qui pourraient bien le devenir. Celles et ceux qui portent des colliers de chiens pour étaler leur enchaînement. Ces gens, font peur.

Tout comme le venin de Prigent, qui se diffuse lentement dans les esgourdes, à la manière d'un opiacé illégal s'injectant dans le sang de celui qui veut oublier et canaliser ses frustrations. Comme le débit de Faustine Berardo (Automatik), rampant, nasillard et blairwitchien qui évolue vers un chant fluide, chaud et inspiré. Aussi comme Cheval Blanc, cet illuminé qui a découvert qu'il n'était pas les autres et qu'on a traité de fou, qui a rencontré le vide, celui de sa propre existence. Que dire du ton apocalyptique et du texte mystérieux de Black Sifichi, et des visions morbides de Cecilia H, qui se demande bien ce qu'il adviendra d'elle lorsque son corps aura entamé sa lente putréfaction. Horror 404, elle, me faisait déjà frissonner le bas ventre il y a deux ans, et pose cette fois-ci du jus de citron sur des plaies invisibles, celles qui ne cicatrisent jamais vraiment. Sa description réaliste (pas cynique) de l'overdose généralisée de tout, son choix des mots taillés au scalpel pour évoquer la déception et la colère (envers les autres et peut-être envers elle-même), sa façon d'administrer du verbe à cet alien qui dévore son corps impatient a quelque chose d'admirable. Car oui, ce genre d'exercice peut vite devenir caricatural si l'on tombe dans le dévidoir de sa dark side trop assumée. Non, même quand elle prend des intonations lascives pour exposer des trucs sordides (Ekymose), c'est surtout certes pour accentuer le sentiment de malaise mais avec un contraste qui ne saurait perdre sa subtilité. Même les titres exclusivement instrumentaux de Prigent ont pris en richesse et en profondeur, déployant des aspects noise des catacombes et des contours de rock lourd et cradingue.

Prigent a su une nouvelle fois composer des ambiances entêtantes alliées à des rythmes lourds sans jamais perdre de vue que le discours des membres du collectif était aussi important et complémentaire que le son. Un musicien de Bristol végétarien mais friand de houblon et de tennis de table a dit : If You Treat All Like Terrorists, We Will Become Terrorists. Horror 404 a dit : Tortueux sont les chemins qui mènent à mon sanctuaire. Ceux qui ont un plan sont vivement invités à m'envoyer un mail, je leur révélerais peut-être l'identité du Britannique végétarien. Et sinon oui, cet album est vivement recommandé. L'acquisition de l'objet peut se faire en direct, en passant par le site de ce troublant collectif qu'est ElastiK.

par Ed Loxapac